Ilekroć twórcy queer stosują strategie nieobecności, milczenia lub niewidzialności w swojej pracy, dokonują świadomych wyborów, aby komunikować się ponad to, co jest wyraźnie określone. Takie strategie mogą być wykorzystywane jako urządzenia estetyczne do tworzenia napięcia, niejednoznaczności i dyskomfortu, które zachęcają widzów do kwestionowania własnych założeń dotyczących płci, tożsamości i pragnienia. Mogą one również służyć jako potężne stwierdzenia oporu wobec dominujących narracji kulturowych, które marginalizują i tłumią doświadczenia queer. Artykuł ten zbada, jak strategie te funkcjonują zarówno estetycznie, jak i politycznie w kontekście queer visual art, podkreślając godne uwagi przykłady z różnych mediów.
Przykładem takiej strategii jest wykorzystanie negatywnej przestrzeni na zdjęciu. W serii fotografii „Felix Gonzalez-Torres" Roberta Mapplethorpe, artystka przedstawia intymne portrety swojego partnera, nie pokazując jej twarzy. Powstałe obrazy przekazują poczucie tajemnicy i tęsknoty, zapraszając widzów do wyobrażenia sobie osoby stojącej za oczami podmiotu. Unikając tradycyjnej reprezentacji męskiego ciała, artysta podważa heteronormatywny pogląd, który często sprzeciwia się i sprowadza mężczyzn do ich fizycznego wyglądu. Brak twarzy sugeruje również ukrytą lub ukrytą seksualność, która kwestionuje normy społeczne dotyczące męskości i intymności.
Innym podejściem jest użycie ciszy w filmach.
W filmie Todda Haynesa Carol, reżyser decyduje się nie pokazać żadnych wyraźnych scen seksualnych między Carol i Teresą, pomimo tego, że ich związek jest centralny dla fabuły. Zamiast tego skupia się na subtelnych gestach i wygląda, że wskazówka na emocjonalne połączenie bohaterów i atrakcyjność seksualną. Odmawiając przedstawienia treści nadmiernie erotycznych, Haynes zwraca uwagę na sposób, w jaki społeczeństwo represjonuje i kontroluje pragnienia tej samej płci. Tworzy również poczucie tęsknoty i oczekiwania, które odzwierciedla własne doświadczenia postaci, gdy poruszają się po stygmatach społecznych otaczających ich romans miłosny.
Strategiczne pominięcie kluczowych szczegółów można również znaleźć w wydajności. W „Błękitnym filmie" Dereka Jarmana artysta wyświetla niebieskie światło na ekranie przez prawie godzinę, bez dialogu i struktury narracyjnej. Utwór stanowi radykalne odrzucenie tradycyjnych konwencji filmowych, wyzwanie widzów do przeciwdziałania ich oczekiwaniom co stanowi doświadczenie filmowe. Wywołuje również uczucie samotności lub izolacji, odzwierciedlające dziwne doświadczenie życia poza głównym nurtem kultury. Podobnie „Wizualna telepatia miodu organicznego" Joana Jonasa wykorzystuje powtarzające się obrazy dźwiękowe i minimalistyczne obrazy, aby wywołać stan dezorientacji i dezorientacji, zapraszając widzów do rozważenia, jak nasze postrzeganie kształtują normy kulturowe i społeczne.
Artyści mogą wykorzystywać strategie niewidzialności do krytykowania dominujących struktur władzy.
W instalacji Fiona Tan Zniknięcie na morzu, pokazuje nagrania wideo wody bez żadnego wyraźnego tematu. Tworzy poczucie pustki i niepewności, sugerując niewidzialne siły rządzące naszym życiem. Prezentując taki niespecyficzny wizerunek, Tan wyzwa widzów, by kwestionowali swoje założenia o tym, kto ma agentów na świecie i czyje głosy są niezapowiedziane. Użycie ciszy i nieobecności w tej pracy wzmacnia jej polityczne przesłanie, umożliwiając jej oddźwięk poza sferę wizualną i w szerszych kontekstach społecznych.
Świadome wybory dotyczące nieobecności, ciszy i niewidzialności w queer sztuce wizualnej mają wiele funkcji, od tworzenia niejednoznaczności i napięcia po składanie potężnych oświadczeń politycznych. Strategie te zachęcają widzów do głębszego zagłębienia się w złożoności płci, seksualności i tożsamości oraz krytykowania dominujących narracji, które marginalizują i tłumią doświadczenia LGBTQ +.
Jak celowe wykorzystanie nieobecności, ciszy lub niewidzialności w queer sztuki wizualnej funkcjonuje jako estetyczna strategia i oświadczenie polityczne?
"Celowe wykorzystanie nieobecności, ciszy i niewidzialności można interpretować jako strategie, które podważają heteronormatywność w queer artystycznych wizualnych.