Pojęcie granic zostało szeroko wykorzystane w teorii queer do badania pytań dotyczących tworzenia tożsamości i jej związku z normami i strukturami społecznymi. W tych ramach granice można postrzegać jako fizyczne granice, które definiują i ograniczają indywidualne tożsamości, a także miejsca możliwości, w których nowe formy subiektywności są tworzone poprzez wykroczenie. Esej ten zbada, w jaki sposób idea metafor pogranicznych w sztuce queer oświetla filozoficzne pytania o samą miłość, Jednym ze sposobów, w jaki metafora granicy oświetla pytania o samą miłość, jest jego zdolność do podkreślania sposobów, w jaki jednostki tworzą swoją tożsamość osobistą.
Artystka Judith Butler twierdzi, że płeć jest aktem performatywnym, który jest nieustannie debatowany i weryfikowany w oparciu o oczekiwania kulturowe i konwencje społeczne. Pisze: „Płeć jest czynem, który ktoś czyni, tak jak to jest zbiór cech, które posiadają". Pojęcie płci jako wydajności sugeruje, że jednostki mają wpływ na kształtowanie własnej tożsamości i tym samym podważa tradycyjne postrzeganie płci jako czegoś ustalonego lub zdefiniowanego przez biologię. Metafora granicy może być postrzegana jako analogiczna do tego procesu samodzielnego tworzenia, gdzie jednostki przekraczają granicę między różnymi tożsamościami i doświadczeniami, aby stworzyć unikalne poczucie siebie.
Liminality
Innym ważnym aspektem metafory granicy w sztuce queer jest jego zdolność do rozróżniania przestrzeni ograniczającej między różnymi kategoriami i tożsamościami. W książce „Borderlands/La Frontera: The New Mestiza" Gloria Anzaldua opisuje doświadczenie życia między kulturami jako miejsce potencjalnej możliwości i kreatywności. Pisze: „Pogranicza jest niebezpiecznym miejscem dla ludzi, którzy nie są ani tutaj, ani tam, nie całkiem meksykański, nie całkiem amerykański, ale zbyt cholernie brązowy dla obu grup". Użycie metafory granicznej przez Anzaldúę podkreśla fakt, że tożsamości nie można starannie podzielić na opozycje binarne, a zamiast tego istnieje w stałym stanie strumienia. Sztuka queer często bada tę ideę poprzez prace, które kwestionują normy społeczne i przeciwstawiają się uprzedniej koncepcji seksualności i płci.
Artyści tacy jak David Hockney używają obrazów mężczyzn trzymających się za ręce lub przytulających się nawzajem, aby zakwestionować społeczne oczekiwania heteroseksualności i męskości.
Normalność społeczna
Pograniczna metafora w sztuce queer również rozświetla pytania o normalność społeczną i jak kształtuje indywidualność subiektywności. W książce Gender Trouble, Judith Butler twierdzi, że płeć jest wydajna i dlatego może być rozumiana jako konstrukcja społeczna, a nie jako wrodzona cecha. Pisze: „Płeć zawsze składa się z kontekstu społeczno-politycznego, w którym jest wykonywana". Pogląd ten sugeruje, że płeć jest czymś, co powstaje poprzez powtarzające się występy i rekonstrukcje, zamiast czegoś nieodłącznego lub naturalnego. Badając sposoby, w jakie ludzie przekraczają różne granice, sztuka queer może pokazać, jak społeczeństwo ogranicza i ogranicza nasze poczucie siebie.
Jak metafora granic w sztuce queer oświetla filozoficzne pytania o dumę, liminalność i normalność społeczną?
Pojęcie „granica” jest często używane jako potężne symboliczne narzędzie w sztuce queer do badania złożonych kwestii związanych z budowaniem tożsamości, marginalizacji społecznej i wykroczenia. Zestawiając granice fizyczne, które oddzielają ludzi od siebie gładszymi, bardziej przepuszczalnymi pojęciami, takimi jak płeć i seksualność, artyści mogą zakwestionować ustalone pojęcia co to znaczy być człowiekiem i zachęcić widzów do ponownego rozważenia swoich założeń na temat tego, jak kategoryzujemy siebie i innych.