El concepto de fronteras se ha utilizado ampliamente en la teoría queer para estudiar cuestiones relativas a la formación de la identidad y su relación con las normas y estructuras sociales. Dentro de este marco, las fronteras pueden considerarse como límites físicos que definen y limitan las identidades individuales, así como lugares de oportunidad donde se crean nuevas formas de subjetividad a través de la transgresión. En este ensayo se abordará cómo la idea de las metáforas fronterizas en el arte queer cubre las cuestiones filosóficas sobre el amor propio. Una de las formas en que la metáfora de la frontera ilumina las preguntas sobre el amor propio es su capacidad de enfatizar las formas en que los individuos crean su identidad personal.
La artista Judith Butler afirma que el género es un acto performativo que se discute y revisa constantemente sobre la base de expectativas culturales y acuerdos sociales. Ella escribe: «El género es un acto que alguien comete, tanto como un conjunto de rasgos que posee». Esta noción de género como productividad sugiere que las personas tienen influencia en la formación de su propia identidad y, por lo tanto, socava la concepción tradicional del campo como algo fijo o definido por la biología. La metáfora de la frontera puede ser vista como la contraparte de este proceso de auto-creación, cuando los individuos cruzan la frontera entre diferentes identidades y experiencias para crear un sentido único de sí mismos.
Liminality
Otro aspecto importante de la metáfora de la frontera en el arte queer es su capacidad para distinguir el espacio límite entre las diferentes categorías e identidades. En su libro Borderlands/La Frontera: The New Mestiza, Gloria Anzaldúa describe la experiencia de vivir entre culturas como un lugar de potencial oportunidad y creatividad. Escribe: «La frontera es un lugar peligroso para las personas que no son ni aquí ni allá, ni exactamente mexicanas, ni exactamente americanas, sino demasiado marrones para ambos grupos». El uso de Anzaldúa de la metáfora de la frontera subraya el hecho de que la identidad no puede dividirse suavemente en oposiciones binarias y en cambio existe en un estado de flujo constante. El arte queer a menudo explora esta idea a través de obras que desafían las normas sociales y empujan contra las ideas preconcebidas sobre la sexualidad y el campo.
Artistas como David Hockney utilizan imágenes de hombres tomándose de las manos o abrazándose para desafiar las expectativas sociales de heterosexualidad y masculinidad.
Normalidad social
La metáfora fronteriza en el arte queer también cubre preguntas sobre la normalidad social y cómo forma la individualidad de la subjetividad. En su libro «Gender Trouble», Judith Butler afirma que el género es performativo y, por lo tanto, puede entenderse como una construcción social en lugar de una característica innata. Ella escribe: «El género ya consiste en el contexto sociopolítico en el que se cumple». Este punto de vista sugiere que el género es algo que se crea a través de performances y escenificaciones repetitivas, no algo inherente o natural. Al explorar las formas en que las personas cruzan diferentes fronteras, el arte queer puede mostrar cómo la sociedad limita y limita nuestra autoestima.
¿Cómo ilumina la metáfora de la frontera en el arte queer las preguntas filosóficas sobre el amor propio, la liminalidad y la normalidad social?
El concepto de «frontera» se utiliza a menudo como una poderosa herramienta simbólica en el arte queer para estudiar cuestiones complejas relacionadas con la construcción de identidades, la marginación social y la transgresión. Al combinar los límites físicos que separan a las personas entre sí con conceptos más fluidos y permeables como el género y la sexualidad, los artistas pueden desafiar las ideas establecidas sobre lo que significa ser humano y animar a los espectadores a reconsiderar sus suposiciones sobre cómo nos categorizamos a nosotros mismos y a los demás.