Pojęcie czasu jest często omawiane w kategoriach progresji liniowej, ale postmodern queer film oferuje alternatywny pogląd, który podkreśla nieliniowość, nieciągłość i fragmentację. Filmy te kwestionują tradycyjne opowiadania o tożsamości, seksualności i płci poprzez innowacyjne podejście do opowiadania historii. Jednym ze sposobów osiągnięcia tego celu jest zbadanie pamięci i jej relacji z czasem. Sama pamięć może być postrzegana jako forma rozdrobnienia czasowego, ponieważ wymaga selektywnego odwołania i rekonstrukcji, a nie bezpośredniego doświadczenia wydarzeń. W kinie postmodern queer pamięć staje się chwiejna, rozdrobniona i subiektywna, co pozwala na wiele perspektyw i interpretacji. Podejście to podważa ideę jednej, obiektywnej prawdy i otwiera szanse na nowe spostrzeżenia na temat historii, traumy i tożsamości osobistej.
Na przykład „Safe" Todda Haynesa (1995) przedstawia Carol White (Julianne Moore) jako kobietę cierpiącą na tajemnicze objawy, których lekarze nie mogą zdiagnozować. Kiedy szuka odpowiedzi, jej wspomnienia stają się bardziej nierzetelne, tworząc poczucie dezorientacji i dezorientacji. Film ostatecznie kwestionuje ważność każdej perspektywy lub wersji rzeczywistości, sugerując, że może nie być jasnej odpowiedzi na to, co stało się w przeszłości. Innym sposobem dla postmodernistycznego kina queer do zbadania czasowości jest wykorzystanie flashbacków, sekwencji niechronologicznych i wymarzonych obrazów. Techniki te zakłócają przepływ czasu i tworzą poczucie niestabilności czasowej, utrudniając widzom wskazanie, gdzie są w historii lub w jaki sposób zdarzenia są połączone. Film Jean-Luca Godarda „Historie de la Cinéma" (1988-98) wykorzystuje te techniki do badania własnego życia, wykorzystując nagrania z dzieciństwa i różne wpływy kinowe do skonstruowania narracji kolażowej, która kwestionuje tradycyjne pojęcia liniowości. Niszcząc czwartą ścianę i zwracając się bezpośrednio do publiczności, dodatkowo komplikuje relacje między opowiadaniem i autorytetem, zapraszając widzów do kwestionowania własnego postrzegania czasu i pamięci.
Ponadto filmy postmodern queer często zawierają wielu protagonistów i opowieści, które przecinają się i przecinają, dodając do poczucia fragmentacji. W filmie „Paris is Burning" (1990) filmowiec Jenny Livingston przeprowadza wywiady z członkami sceny drag ball w Nowym Jorku, rejestrując swoje doświadczenia z rasą, płcią i seksualnością. Podczas gdy niektóre postacie pojawiają się w całym filmie, inne przychodzą i idą, odzwierciedlając płynność i złożoność tożsamości i społeczności. Podejście to podważa myśl, że tożsamość jest ustalona i trwała, a nie uznaje trwające negocjacje w sprawie miłości własnej w czasie.
Wreszcie, postmodern filmy queer często używać eksperymentalnej edycji i pracy aparatu, aby przekazać uczucia przemieszczenia i lęku.
Na przykład, Derek Jarman „Niebieski" (1993) ma tylko niebieski ekran, pozwalając widzowi wypełnić puste oczy przez ich wyobraźnię. Brak tradycyjnej struktury filmu odzwierciedla doświadczenie życia z AIDS, które było ważnym tematem dla wielu artystów w latach 80 i 90. W ten sposób kino postmodern queer zaciera linie między przeszłością, teraźniejszością i przyszłością, tworząc przestrzeń czasową, która może dostosować się do różnych perspektyw i interpretacji.
Ogólnie rzecz biorąc, kino postmodern queer oferuje potężną krytykę tradycyjnych narracji o czasie, tożsamości i mocy. Poprzez zerwanie z liniowością i odkrywanie pamięci, filmy te wyzwają widzów do kwestionowania własnych założeń co do rzeczywistości i wyzwanie ich do przemyślenia co to znaczy żyć w dzisiejszym świecie.
Jak kino postmodern queer bada czasowość, pamięć i rozdrobnienie narracji?
Kino Postmodern queer zbadało różne sposoby reprezentowania czasu, pamięci i narracji, które odbiegają od tradycyjnych linearnych metod opowiadania. Tendencja ta często wiąże się ze wzrostem teorii queer w badaniach filmowych, ponieważ kwestionuje dominujące narracje dotyczące płci i seksualności oraz podważa tradycyjne pojęcia liniowych postępów czasowych.