Il concetto di tempo è spesso discusso in termini di progressione lineare, ma il film in quadri postmoderno offre una visione alternativa che evidenzia la non linearità, l'interruzione e la frammentazione. Questi film sfidano le narrazioni tradizionali su identità, sessualità e genere attraverso i loro innovativi approcci alla narrazione. Un modo per farlo è esplorare la memoria e il suo legame con il tempo. La memoria stessa può essere considerata una forma di frammentazione temporale, in quanto prevede una recensione e una ricostruzione selettiva piuttosto che un'esperienza diretta degli eventi. In un film di cinema postmoderno, la memoria diventa distorta, frammentata e soggettiva, consentendo più punti di vista e interpretazioni. Questo approccio mette in discussione l'idea di una verità unica e oggettiva e offre invece opportunità per una nuova comprensione della storia, del trauma e dell'identità personale.
Ad esempio, il film di Todd Haynes «Al sicuro» (1995) ritrae Carol White (Julianne Moore) come una donna che soffre di sintomi misteriosi che i medici non riescono a diagnosticare. Trovando risposte, i suoi ricordi diventano sempre più inaffidabili, creando un senso di disorientamento e confusione. Il film alla fine mette in dubbio l'attendibilità di una sola prospettiva o versione della realtà, suggerendo che potrebbe non esserci una risposta chiara a ciò che è successo in passato. Un altro modo per esplorare la tempistica è l'uso di flash, non sequenze cronologiche o immagini di sogno. Questi metodi violano il tempo e creano una sensazione di instabilità temporale, rendendo difficile per gli spettatori determinare esattamente dove si trovano nella storia o come sono collegati gli eventi. Il film di Jean-Luc Godard, «Storie di cinema» (1988-98), utilizza questi metodi per esplorare la propria vita, utilizzando filmati della sua infanzia e diverse influenze cinematografiche per costruire una narrazione simile a quella di un collage che sfida le concezioni tradizionali della linearità. Distruggendo il quarto muro e rivolgendosi direttamente al pubblico, rende ancora più difficile il rapporto tra la narrazione e l'autorità, suggerendo agli spettatori di mettere in discussione la propria percezione del tempo e della memoria.
Inoltre, i film postmodernici contengono spesso diversi protagonisti e storie che si intersecano e si intersecano, aggiungendo una sensazione di frammentazione. In «Parigi brucia» (1990), la regista documentarista Jenny Livingston intervista i membri della scena del drag ball a New York, registrando la loro esperienza con la razza, il sesso e la sessualità. Mentre alcuni personaggi appaiono durante tutto il film, altri vanno e vengono, riflettendo la fluidità e la complessità dell'identità e della comunità. Questo approccio mette in discussione l'idea che l'identità sia fissa e permanente, riconoscendo invece le trattative in corso sull'ego nel corso del tempo.
Infine, i film postmodernici spesso utilizzano l'installazione sperimentale e l'operatore per trasmettere un senso di spostamento e preoccupazione.
Ad esempio, «Blu» di Derek Jarman (1993) ha solo uno schermo blu che consente allo spettatore di riempire gli spazi attraverso la propria immaginazione. La mancanza di una struttura tradizionale nel film riflette l'esperienza con l'AIDS, che è stato un tema significativo per molti artisti negli anni Ottanta e Novanta. Il cinema postmoderno cancella così i confini tra passato, presente e futuro, creando uno spazio temporale che può adattarsi a diverse prospettive e interpretazioni.
Il cinema postmoderno offre forti critiche alle narrazioni tradizionali su tempo, identità e potere. Violando la linearità e esplorando la memoria, questi film pongono al pubblico il compito di mettere in discussione le proprie idee sulla realtà e suggerire loro di ripensare cosa significa vivere in pace oggi.