Le concept de temps est souvent discuté du point de vue de la progression linéaire, mais le film queer postmoderniste offre un regard alternatif qui met l'accent sur la non-linéarité, l'interruption et la fragmentation. Ces films défient les récits traditionnels sur l'identité, la sexualité et le genre à travers leurs approches novatrices de la narration. Une façon d'y parvenir est d'explorer la mémoire et son rapport au temps. La mémoire elle-même peut être considérée comme une forme de fragmentation temporelle, car elle implique une révocation et une reconstruction sélectives plutôt qu'une expérience directe des événements. Dans le cinéma queer postmoderne, la mémoire devient déformée, fragmentée et subjective, ce qui permet d'utiliser plusieurs points de vue et interprétations. Cette approche remet en question l'idée d'une vérité unique et objective et ouvre plutôt la voie à une nouvelle compréhension de l'histoire, du traumatisme et de l'identité personnelle.
Par exemple, le film de Todd Haynes « En sécurité » (1995) décrit Carol White (Julianne Moore) comme une femme souffrant de symptômes mystérieux que les médecins ne peuvent diagnostiquer. À mesure que les réponses sont recherchées, ses souvenirs deviennent de plus en plus incertains, créant un sentiment de désorientation et de confusion. En fin de compte, le film remet en question la validité d'une perspective ou d'une version de la réalité, suggérant qu'il n'y aurait peut-être pas de réponse claire à ce qui s'est passé dans le passé. Une autre façon d'explorer le cinéma queer post-moderne est d'utiliser des flashbacks, des séquences non chronologiques et des images rêveuses. Ces méthodes perturbent le passage du temps et créent un sentiment d'instabilité temporelle, rendant difficile pour le public de déterminer avec précision où ils se trouvent dans l'histoire ou comment les événements sont liés. Le film « Histoires du cinéma » (1988-98) de Jean-Luc Godard utilise ces techniques pour explorer sa propre vie, en utilisant des images de son enfance et diverses influences cinématographiques pour construire une narration similaire à un collage qui remet en question les notions traditionnelles de linéarité. En détruisant le quatrième mur et en s'adressant directement au public, il complique encore les relations entre la narration et l'autorité en invitant le public à remettre en question sa propre perception du temps et de la mémoire.
En outre, les films queer postmodernistes contiennent souvent plusieurs personnages principaux et des histoires qui se croisent et se chevauchent, ajoutant une sensation de fragmentation. Dans le film « Paris est en feu » (1990), la réalisatrice de documentaires Jenny Livingston interviewe des membres de la scène de drag ball à New York, enregistrant leurs expériences avec la race, le sexe et la sexualité. Tandis que certains personnages apparaissent tout au long du film, d'autres vont et viennent, reflétant la fluidité et la complexité de l'identité et de la communauté. Cette approche remet en question l'idée que l'identité est fixe et permanente, reconnaissant plutôt la poursuite des négociations sur l'amour-propre au fil du temps.
Enfin, les films queer postmodernistes utilisent souvent le montage expérimental et le travail d'opérateur pour transmettre un sentiment de déplacement et d'inquiétude.
Par exemple, « Blue » de Derek Jarmen (1993) n'a qu'un écran bleu qui permet au spectateur de combler les espaces à travers son imagination. L'absence d'une structure traditionnelle dans le film reflète l'expérience de la vie avec le sida, qui a été un sujet important pour de nombreux artistes au cours des années 1980 et 1990. Ainsi, le cinéma queer postmoderne efface les frontières entre passé, présent et futur, créant un espace temporel qui peut s'adapter à différentes perspectives et interprétations.
En général, le cinéma queer postmoderne offre une critique puissante des récits traditionnels sur le temps, l'identité et le pouvoir. En brisant la linéarité et en explorant la mémoire, ces films mettent le public au défi de remettre en question ses propres hypothèses sur la réalité et de les inviter à repenser ce que signifie vivre en paix aujourd'hui.
Comment le cinéma queer postmoderne explore-t-il la temporalité, la mémoire et la fragmentation de la narration ?
Le cinéma queer postmoderniste a exploré différentes façons de représenter le temps, la mémoire et les récits qui s'écartent des méthodes traditionnelles de narration linéaire. Cette tendance est souvent liée à la croissance de la théorie queer dans l'éducation cinématographique, car elle remet en question les récits dominants sur le champ et la sexualité, tout en sapant les notions traditionnelles de progression temporelle linéaire.