Cisza wizualna jest ważną koncepcją w sztuce queer, która działa jako potężne narzędzie krytyki politycznej, kulturowej i estetycznej. W tym eseju opowiem o tym, jak twórcy queer wykorzystują ciszę wizualną, by zakwestionować normatywne pojęcia płci, seksualności i tożsamości oraz oświecić międzysektorowe doświadczenia zmarginalizowanych społeczności.
Termin „cisza wizualna" został ukuty przez artystkę Ellen Gallagher, która używa go do opisu swojej praktyki tworzenia dzieł, które celowo pomijają obrazy ludzkich ciał lub twarzy. Zamiast tego wypełnia płótna abstrakcyjnymi wzorami i kształtami, które wywołują formy cielesne, nie przedstawiając ich. Strategia ta pozwala Gallagherowi stworzyć przestrzeń dla widzów do prezentacji własnych interpretacji tego, co widzą, zwracając również uwagę na to, jak dominujące narracje wymazują i ignorują doświadczenia ludzi koloru i LGBTQ +.
Cisza wizualna można znaleźć w całej historii sztuki queer, od wczesnych prac Roberta Mapplethorpe'a po współczesne instalacje Zanele Muholi.
Słynna seria zdjęć Black Book firmy Mapplethorpe zawiera zbliżone obrazy męskich genitaliów, ale pomija wszelkie szczegóły identyfikujące, takie jak rasa czy wiek. Strategia ta zmusza widzów do zmagania się z pytaniami o zgodę, dynamikę mocy i obiektywizm, i ujawnia sposoby, w jaki queer pragnienie zostało historycznie zbudowane jako tabu i niebezpieczne.
Seria fotograficzna Muholiego „Twarze i fazy" dokumentuje czarne lesbijki i transseksualistów RPA w epoce apartheidu, kiedy homoseksualizm był kryminalizowany i ludzie queer stawili czoła powszechnej przemocy i dyskryminacji. Pokazując tylko jej twarze i nigdy nie pełne ciała, Muholi tworzy poczucie intymności i podatności, które kwestionuje tradycyjne pojęcia męskości i kobiecości. Brak ciał fizycznych podkreśla, jak ci ludzie byli zmuszeni ukryć swoje prawdziwe osobowości, aby przetrwać, a także świętować swoją odporność i siłę.
Cisza wizualna jest również obecna w twórczości artystów queer, którzy wykorzystują znalezione przedmioty lub codzienne materiały do krytykowania płci binarnej.
Instalacja artysty Hannah Black „Gumowy rysunek ołówka „składa się z dwóch ołówków przymocowanych do elastycznych opasek, co skłania do idei transformacji i płynności. Podobnie, rzeźbiarka Patricia Cronin's Marriage Memorial instalacja przedstawia dwie kobiety trzymające się za ręce, z jedną kobietą w stroju wykonanym w całości z męskiej odzieży, a drugą ubraną jako osoba. Dzieła te kwestionują normatywne pojęcia tego, co stanowi „męskie" i „kobiece", kwestionując jednocześnie konwencje społeczne, które dyktują role i relacje płci.
Cisza wizualna może być widoczna w pracy artystów performansowych, takich jak Gregg Bordowitz i Ron Athey, którzy używają płynów cielesnych, bólu i rytuałów do zbadania tematów śmiertelności, choroby i obrażeń. W filmie „Strach i drżenie" Bordowitz wykonuje wroga wywołanego samodzielnie igłą, zwracając uwagę na piętno i wstyd wokół seksu gejów i HIV/AIDS. W międzyczasie, występy Athey'a często obejmują krew, piercings i samookaleczenia, umieszczając trzewne obrazy fizycznego i emocjonalnego cierpienia przed publicznością. Stosując tę taktykę, obaj artyści tworzą poczucie pilności i intymności, które rzuca wyzwanie podstawowym pojęciom seksualności i zdrowia.
Cisza wizualna jest ważnym narzędziem dla twórców queer, którzy starają się krytykować dominujące narracje, świętować marginalne doświadczenia i pchać granice. Dzięki innowacyjnemu wykorzystaniu formy i przedmiotu, artyści ci oferują nowe perspektywy na tożsamość, pragnienie i moc, zachęcając jednocześnie widzów do refleksji nad własnymi stronniczościami i założeniami. Badając, jak cisza wizualna działa w historii sztuki queer, możemy uzyskać głębsze zrozumienie, jak sztukę wykorzystywano jako środek oporu i wyzwolenia.
Jak cisza wizualna w sztuce queer działa jako narzędzie krytyki politycznej, kulturowej i estetycznej?
Cisza wizualna jest czynem celowym, w którym artysta pozostawia ważne elementy w swojej pracy z różnych powodów, w tym, ale nie tylko do tworzenia komentarzy społecznych do poglądów politycznych, kulturowych, a nawet estetycznych. W sztuce LGBTQ +, może być używany do przekazywania idei, że role płci są arbitralne i nie powinny być respektowane; można to zrobić poprzez przedstawianie postaci bez ubrań lub z niejednoznacznymi częściami ciała.