Le silence visuel est un concept important dans l'art queer qui agit comme un outil puissant pour la critique politique, culturelle et esthétique. Dans cet essai, je vais discuter de la façon dont les artistes queer utilisent le silence visuel pour défier les conceptions normatives du champ, de la sexualité et de l'identité, et mettre en lumière les expériences intersectorielles des communautés marginales.
Le terme « silence visuel » a été inventé par l'artiste Ellen Gallagher, qui l'utilise pour décrire sa pratique de créer des œuvres qui omettent délibérément des images de corps humains ou de personnes. Au lieu de cela, elle remplit les toiles de motifs abstraits et de formes qui évoquent les formes corporelles sans les représenter. Cette stratégie permet à Gallagher de créer un espace permettant aux spectateurs de présenter leurs propres interprétations de ce qu'ils voient, en attirant également l'attention sur la façon dont les récits dominants effacent et ignorent les expériences des personnes de couleur et des personnes LGBTQ +.
Le silence visuel peut être trouvé tout au long de l'histoire de l'art queer, des premières œuvres de Robert Mappletorp aux installations modernes de Zanele Muholi.
La célèbre série de photos de Mappletorp « Black Book » contient des images en gros plan des organes génitaux masculins, mais omet tout détail identifiant, comme la race ou l'âge. Cette stratégie amène le public à lutter contre les questions de consentement, de dynamique du pouvoir et d'objectivité, et révèle les façons dont un désir étrange a été historiquement conçu comme tabou et dangereux.
La série photographique de Muholi « Visages and Phases » documente les lesbiennes noires et transgenres d'Afrique du Sud à l'époque de l'apartheid, où l'homosexualité a été criminalisée et des gens étranges ont été confrontés à une violence et une discrimination généralisées. En montrant seulement ses visages et jamais plein de corps, Muholi crée un sentiment d'intimité et de vulnérabilité qui remet en question les notions traditionnelles de virilité et de féminité. L'absence de corps physique souligne comment ces gens ont été forcés de cacher leur vrai « moi » pour survivre, ainsi que pour célébrer leur résistance et leur force.
Le silence visuel est également présent dans les œuvres d'artistes queer qui utilisent des objets trouvés ou des matériaux quotidiens pour critiquer le binaire du genre.
L'installation de l'artiste Hanna Black « Rubber Pencil Drawing « se compose de deux crayons attachés aux caoutchoucs, ce qui évoque l'idée de transformation et de fluidité. De même, l'installation de la sculptrice Patricia Cronin, « Le mémorial du mariage », représente deux femmes qui se tiennent la main, une femme portant une tenue entièrement faite de vêtements masculins et l'autre habillée comme une personne. Ces œuvres remettent en question les conceptions normatives de ce qui constitue les « hommes » et les « femmes » et remettent en question les conventions sociales qui dictent les rôles et les relations entre les sexes.
Le silence visuel peut être vu dans le travail des performeurs tels que Gregg Bordowitz et Ron Atey, qui utilisent des liquides corporels, des douleurs et des rituels pour étudier les sujets de la mortalité, des maladies et des blessures. Dans sa vidéo « Fear and Trembling », Bordowitz réalise un lavage auto-induit avec une aiguille, attirant l'attention sur la stigmatisation et la honte qui entourent le sexe gay et le VIH/sida. Dans le même temps, les discours d'Ethey comprennent souvent la saignée, le piercing et la morsure, mettant devant le public des images viscérales de la souffrance physique et émotionnelle. En utilisant ces tactiques, les deux artistes créent un sentiment d'urgence et d'intimité qui remet en question les notions fondamentales de sexualité et de santé.
Le silence visuel est un outil important pour les artistes queer qui s'efforcent de critiquer les récits dominants, de célébrer les expériences marginales et d'élargir les frontières. Grâce à l'utilisation innovante des formes et des thèmes, ces artistes offrent de nouvelles perspectives d'identité, de désir et de pouvoir, tout en encourageant le public à réfléchir à ses propres préjugés et hypothèses.En explorant comment le silence visuel fonctionne dans l'histoire de l'art queer, nous pouvons comprendre plus profondément comment l'art a été utilisé comme moyen de résistance et de libération.
Comment le silence visuel dans l'art queer agit-il comme un moyen de critique politique, culturelle et esthétique ?
Le silence visuel est un acte intentionnel où l'artiste laisse des éléments importants dans son travail pour diverses raisons, y compris, entre autres, la création de commentaires sociaux sur les opinions politiques, culturelles ou même esthétiques. Dans l'art LGBTQ +, il peut être utilisé pour transmettre l'idée que les rôles de genre sont arbitraires et ne doivent pas être respectés ; cela peut être fait en dépeignant des personnages sans vêtements ou avec des parties du corps ambiguës.