Visuelle Stille ist ein wichtiges Konzept in der queeren Kunst, das als mächtiges Instrument für politische, kulturelle und ästhetische Kritik fungiert. In diesem Essay werde ich darüber sprechen, wie queere Künstler visuelle Stille nutzen, um normative Vorstellungen von Geschlecht, Sexualität und Identität herauszufordern und intersektionale Erfahrungen von marginalisierten Gemeinschaften zu beleuchten.
Der Begriff „visuelle Stille" wurde von der Künstlerin Ellen Gallagher geprägt, die damit ihre Praxis beschreibt, Werke zu schaffen, die Bilder menschlicher Körper oder Personen absichtlich weglassen. Stattdessen füllt sie die Leinwände mit abstrakten Mustern und Formen, die Körperformen hervorrufen, ohne sie tatsächlich darzustellen. Diese Strategie ermöglicht es Gallagher, einen Raum für die Zuschauer zu schaffen, um ihre eigenen Interpretationen dessen, was sie sehen, zu präsentieren und gleichzeitig darauf zu achten, wie dominante Erzählungen die Erfahrungen von People of Color und LGBTQ + -Menschen auslöschen und ignorieren.
Visuelle Stille findet sich in der gesamten Geschichte der queeren Kunst, von Robert Mapplethorpes Frühwerk bis zu den zeitgenössischen Installationen von Zanele Muholi. Mapplethorpes berühmte Fotoserie Black Book enthält Nahaufnahmen männlicher Genitalien, lässt jedoch identifizierende Details wie Rasse oder Alter aus. Diese Strategie zwingt die Zuschauer, sich mit Fragen der Zustimmung, der Dynamik der Macht und der Objektivierung auseinanderzusetzen, und zeigt Wege auf, auf denen das seltsame Begehren historisch als tabu und gefährlich konstruiert wurde. Muholis fotografische Serie „Faces and Phases" dokumentiert Südafrikas schwarze Lesben und Transgender während der Apartheid-Ära, als Homosexualität kriminalisiert wurde und queere Menschen mit weit verbreiteter Gewalt und Diskriminierung konfrontiert waren. Mit nur ihren Gesichtern und nie vollen Körpern schafft Muholi ein Gefühl der Nähe und Verletzlichkeit, das traditionelle Vorstellungen von Männlichkeit und Weiblichkeit in Frage stellt. Der Mangel an physischen Körpern unterstreicht, wie diese Menschen gezwungen waren, ihr wahres Selbst zu verbergen, um zu überleben und ihre Widerstandsfähigkeit und Stärke zu feiern.
Visuelle Stille ist auch in den Werken queerer Künstler vorhanden, die gefundene Objekte oder alltägliche Materialien verwenden, um die Gender-Binary zu kritisieren.
Die Installation „Rubber Pencil Drawing „der Künstlerin Hannah Black besteht aus zwei Bleistiften, die an Gummibändern befestigt sind und die Idee von Transformation und Fluidität wecken. In ähnlicher Weise zeigt die Installation „Marriage Memorial" der Bildhauerin Patricia Cronin zwei Frauen, die sich an den Händen halten, wobei eine Frau ein Outfit trägt, das vollständig aus Männerkleidung besteht, und die andere als Person gekleidet ist. Diese Arbeiten stellen normative Vorstellungen von dem, was „männlich" und „weiblich" ausmacht, in Frage und stellen auch gesellschaftliche Konventionen in Frage, die Geschlechterrollen und -beziehungen diktieren. Die visuelle Stille zeigt sich in der Arbeit von Performancekünstlern wie Gregg Bordowitz und Ron Athey, die Körperflüssigkeiten, Schmerzen und Rituale verwenden, um die Themen Sterblichkeit, Krankheit und Trauma zu untersuchen. In seinem Video „Fear and Trembling" führt Bordowitz einen selbst induzierten Einlauf mit einer Nadel vor und macht auf das Stigma und die Scham rund um homosexuellen Sex und HIV/AIDS aufmerksam. In der Zwischenzeit beinhalten Etheas Auftritte oft Aderlass, Piercings und Selbstverstümmelung, die dem Publikum viszerale Bilder von körperlichem und emotionalem Leid vermitteln. Mit diesen Taktiken schaffen beide Künstler ein Gefühl der Dringlichkeit und Intimität, das grundlegende Vorstellungen von Sexualität und Gesundheit in Frage stellt.
Visuelle Stille ist ein wichtiges Werkzeug für queere Künstler, die dominante Narrative kritisieren, marginale Erfahrungen feiern und Grenzen erweitern wollen. Durch den innovativen Einsatz von Form und Sujet bieten diese Künstler neue Perspektiven auf Identität, Begierde und Macht, während sie das Publikum ermutigen, über ihre eigenen Vorurteile und Annahmen nachzudenken.Indem wir untersuchen, wie visuelles Schweigen in der queeren Kunstgeschichte funktioniert, können wir tiefer verstehen, wie Kunst als Mittel des Widerstands und der Befreiung eingesetzt wurde.
Wie wirkt das visuelle Schweigen in der queeren Kunst als Mittel politischer, kultureller und ästhetischer Kritik?
Visuelles Schweigen ist ein bewusster Akt, bei dem ein Künstler wichtige Elemente seiner Arbeit aus verschiedenen Gründen verlässt, einschließlich, aber nicht beschränkt auf die Erstellung sozialer Kommentare zu politischen, kulturellen oder sogar ästhetischen Ansichten. In der Kunst von LGBTQ + kann es verwendet werden, um die Idee zu vermitteln, dass Geschlechterrollen willkürlich sind und nicht respektiert werden müssen; dies kann getan werden, indem Charaktere ohne Kleidung oder mit mehrdeutigen Körperteilen dargestellt werden.