In der Zeit bis in die 1970er-Jahre wurde das queere Kino wegen gesellschaftlicher Anfeindungen gegen Homosexualität und gleichgeschlechtliche Begierden weitgehend zensiert und unterdrückt. Um diesen strengen Zensurgesetzen zu entgehen, verwendeten die Filmemacher verschiedene Techniken wie codierte Erzählungen, Symbolik und ästhetische Strategien, die es ihnen ermöglichten, LGBTQ + -Themen ohne ihre ausdrückliche Anweisung zu erforschen.
Filmemacher haben Metaphern, doppelte Gegensätze und visuelle Bilder verwendet, um die Fremdheit in ihren Filmen zu vermitteln. Ein Beispiel ist der Filmklassiker „Die Katze auf dem heißen Dach" von Regisseur Richard Brooks. Der Film erzählt die Geschichte von Brick Pollitt, einem problematischen verheirateten Mann, der mit seiner sexuellen Identität ringt und versucht, sich mit dem Tod seines besten Freundes abzufinden. Obwohl der Film selbst nicht ausdrücklich sagt, dass Brick schwul ist, deuten das Verhalten und die Handlungen der Charaktere darauf hin.
Charakter Skipper nennt Brick eine „Katze" und sagt, dass er den ganzen Tag wie einer herumlag. Dies kann als Hinweis auf den Ausdruck „Katze auf einem heißen Blechdach" interpretiert werden, der in dieser Zeit ein beliebter Slang für einen geschlossenen schwulen Mann war. Ein weiteres Beispiel ist Children's Hour von William Wyler. In diesem Film werden zwei Frauen beschuldigt, eine Affäre zu haben, die dazu führte, dass ihr berufliches und persönliches Leben zusammenbrach. Während die Beziehung zwischen den beiden Frauen nie explizit skizziert wird, geht der Film davon aus, dass sie durch den Einsatz von Symbolik und Ästhetik Liebhaber sind. Die rote Farbe wird während des gesamten Films verwendet, um Leidenschaft und Begierde darzustellen, was als Hinweis auf die rote Flagge interpretiert werden kann, die damals allgemein mit Homosexualität in Verbindung gebracht wurde.
Diese Methoden beeinflussen weiterhin die moderne Medientheorie, insbesondere im Bereich der queeren Forschung. Wissenschaftler analysieren häufig Filme und Fernsehsendungen, um verschlüsselte Botschaften über LGBTQ + -Identitäten und -Erfahrungen aufzudecken. Auch in Darstellungen von Queerness in Mainstream-Medien wie der beliebten Sitcom „Will & Grace" suchen sie nach Subtext-Bedeutungen. In dieser Show erscheint ein schwuler Protagonist namens Will Truman, der zusammen mit seinem direkten Mitbewohner Jack McFarland durch Dating, Arbeit und Familienleben navigiert. Durch die Darstellung von Queerness auf subtilere und komplexere Weise als in früheren Jahrzehnten hat die Show dazu beigetragen, den Weg für die zukünftige Darstellung von queeren Charakteren in den Mainstream-Medien zu ebnen.
Wie nutzte das queere Kino bis in die 1970er-Jahre codierte Narrative, Symbolik und ästhetische Strategien, um durch Zensur und soziale Feindseligkeit zu navigieren, und wie informiert diese Geschichte die moderne Queer-Media-Theorie?
In den frühen Jahren der queeren Filmproduktion, vor der Legalisierung von Homosexualität in vielen Ländern, mussten Regisseure kreative Wege finden, um LGBTQ + Charaktere und Themen zu präsentieren, ohne explizit ihre sexuelle Orientierung oder Identität anzugeben. Eine Möglichkeit, dies zu tun, war die Verwendung von kodierter Sprache, Symbolik und visuellen Metaphern, die von Zuschauern interpretiert werden konnten, die mit der schwulen Subkultur vertraut waren.