Para entender como artistas visuais têm usado historicamente a iconografia queer para contestar hierarquias culturais e sociais, é importante determinar o que é estranheza. O quir refere-se a identidades que não correspondem aos papéis tradicionais de gênero e/ou normas sexuais. Podem ser pessoas que se identificam como LGBT + e qualquer um que desafie as expectativas heteronormativas com o seu comportamento, aparência ou crenças. Ao longo da história, houve uma longa tradição de expressão de arte queer, desde a Grécia Antiga até hoje.
Um exemplo disso está na mitologia grega. Em muitas histórias, deuses e deusas eram retratados como homossexuais, muitas vezes entre homens e jovens. Estas histórias desafiaram as normas sociais do patriarcado e o domínio dos adultos, que eram parte integrante da sociedade grega na época. Outro exemplo famoso é o quadro de Leonardo Da Vinci, «A tarde secreta», que mostra a figura feminina de Cristo rodeado por discípulos homens. Este trabalho destrói as imagens religiosas tradicionais e oferece uma interpretação diferente da identidade e das atitudes de Jesus em relação aos seus seguidores.
Na época do renascimento, artistas como Michelangelo Bonarrotti e Raphael Sâncio usaram a iconografia queer para desafiar as normas sociais relativas à masculinidade e à feminilidade. Seus quadros representam homens musculosos com genitais exagerados, desafiando a ideia de que a beleza masculina é determinada exclusivamente pela força física e pela masculinidade. Eles também pintaram os nus femininos que enfatizavam as curvas e a suavidade sobre as linhas rígidas, redefinindo o que significa ser bonita.
No século XIX, artistas como Thomas Ikins e John Singer Sargent continuaram a desdobrar fronteiras representando o desejo homossexual em seus trabalhos. O quadro «Max Schmitt in a Single Scull» de Ikins mostra dois jovens remando juntos no rio, com os corpos apertados. Da mesma forma, no retrato de Paul Cesar Helleu e Madame Helleu, feito por Sargent, o casal beija apaixonadamente, com cores coloridas que simbolizam a fertilidade e a sensualidade.
A iconografia quir também foi usada para protestar contra hierarquias sociais baseadas em raça e classe. No início do século XX, artistas como Romane Brooks e Frida Kahlo criaram retratos de personalidades marginais que desafiaram as expectativas de gênero, como a atriz lésbica afro-americana Ala Nazimova. Estas imagens cobriram a luta enfrentada por aqueles que estão fora das estruturas tradicionais de poder e sugerem que olhemos para um mundo onde as pessoas possam existir livremente, independentemente da sua orientação sexual ou identidade.
Hoje, muitos artistas modernos continuam usando a iconografia queer para quebrar normas culturais. A instalação de Ai Weiwei, «Forever Bicycelles», é um exemplo claro que representa centenas de bicicletas em diferentes estados de desnudação. A obra desafia as noções tradicionais de masculinidade, feminilidade e até anatomia humana, sugerindo que os espectadores questionem a natureza dos papéis de gênero e as normas sociais.
Para terminar, artistas visuais há muito tempo usam a iconografia queer para desafiar hierarquias culturais e sociais, desde a Grécia antiga até hoje. Destruindo a narrativa tradicional em torno do sexo e da sexualidade, estes trabalhos oferecem perspectivas alternativas que dividem limites e redefinem o que significa ser humano.
Como artistas visuais usaram historicamente a iconografia queer para contestar hierarquias culturais e sociais?
Artistas visuais usaram suas práticas artísticas ao longo da história para desafiar as narrativas dominantes sobre o campo e a sexualidade. Em particular, eles usaram a iconografia queer - que inclui imagens que minam as normas tradicionais de gênero e sexualidade - como um meio de resistir às culturas e instituições básicas. Ao incluir temas queer em seus trabalhos, esses artistas procuraram quebrar estruturas estabelecidas de poder e criar visões alternativas de identidade.