Aby zrozumieć, jak artyści wizualni historycznie wykorzystali ikonografię queer do kwestionowania hierarchii kulturowej i społecznej, ważne jest, aby określić, czym jest dziwność. Queer odnosi się do tożsamości, które nie są zgodne z tradycyjnymi rolami płci i/lub normami seksualnymi. Mogą to być ludzie, którzy utożsamiają się z LGBTQ +, a także każdy, kto podważa heteronormatywne oczekiwania swoim zachowaniem, wyglądem lub przekonaniami. Istnieje długa tradycja queer artystycznej ekspresji w całej historii, od starożytnej Grecji do dnia dzisiejszego.
Jednym z przykładów tego jest mitologia grecka. W wielu opowieściach bogowie i bogini byli przedstawiani wchodząc w relacje homoseksualne, często między mężczyznami a młodzieńcami. Te narracje zakwestionowały społeczne normy patriarchii i dominacji dorosłych, które w tamtych czasach były integralne dla społeczeństwa greckiego. Innym znanym przykładem jest obraz Leonarda da Vinci „Ostatnia Wieczerza", który przedstawia nieskazitelną postać Chrystusa otoczonego przez męskich uczniów. Dzieło to niszczy tradycyjne obrazy religijne i oferuje inną interpretację tożsamości i relacji Jezusa z jego naśladowcami.
W okresie renesansu artyści tacy jak Michelangelo Buonarroti i Rafael Sanzio wykorzystywali ikonografię queer do kwestionowania norm społecznych dotyczących męskości i kobiecości. Ich obrazy przedstawiają muskularne męskie postacie z przesadzonymi genitaliami, podważając ideę, że męskie piękno jest zdefiniowane wyłącznie przez siłę fizyczną i męskość. Namalowali też kobiece nagości, które podkreślały krzywe i miękkość nad twardymi liniami, na nowo określając, co to znaczy być pięknym.
W XIX wieku artyści tacy jak Thomas Eakins i John Singer Sargent nadal przekraczali granice, przedstawiając w swojej pracy pragnienie tej samej płci. Obraz Eakinsa, "Max Schmitt in a Single Scull', pokazuje dwóch młodych mężczyzn wiosłujących razem na rzece, ich ciała mocno wciśnięte razem. Podobnie, w portrecie Sargenta Paula Césara Helleux i Madame Helleux, para dzieli namiętny pocałunek otoczony wielokolorowymi kwiatami symbolizującymi płodność i zmysłowość.
Ikonografia Queer została również wykorzystana do protestu przeciwko hierarchii społecznej opartej na rasie i klasie. Na początku XX wieku artyści tacy jak Romaine Brooks i Frida Kahlo stworzyli portrety zmarginalizowanych osób, które kwestionowały oczekiwania płci, takich jak afroamerykańska aktorka lesbijka Alla Nazimova. Obrazy te oświetlały zmagania, z jakimi borykają się osoby spoza tradycyjnych struktur władzy i oferowały spojrzenie w świat, w którym ludzie mogli swobodnie istnieć bez względu na swoją orientację seksualną lub tożsamość.
Dziś wielu współczesnych artystów nadal używa ikonografii queer do zakłócania norm kulturowych. Instalacja Ai Weiwei „Forever Rowery" jest doskonałym przykładem, przedstawiającym setki rowerów ułożonych na wierzchu siebie w różnych stanach rozebrania. Utwór kwestionuje tradycyjne pojęcia męskości, kobiecości, a nawet ludzkiej anatomii, zapraszając widzów do kwestionowania charakteru ról płci i norm społecznych.
Podsumowując, artyści wizualni od dawna używają ikonografii queer do wyzwań hierarchii kulturowej i społecznej, od starożytnej Grecji do dziś. Rozbijając tradycyjne narracje wokół płci i seksualności, dzieła te oferują alternatywne perspektywy, które pchają granice i redefiniują, co to znaczy być człowiekiem.
W jaki sposób artyści wizualni historycznie wykorzystywali ikonografię queer do kwestionowania hierarchii kulturowej i społecznej?
Artyści wizualni w całej historii wykorzystywali swoje praktyki artystyczne do kwestionowania dominujących narracji na temat płci i seksualności. W szczególności wykorzystywano ikonografię queer - która obejmuje obrazy, które podważają tradycyjne normy płci i seksualności - jako środek przeciwstawienia się głównym kulturom i instytucjom. Włączając tematy queer do swojej pracy, artyści ci starali się zakłócić ustanowione struktury władzy i stworzyć alternatywne reprezentacje tożsamości.