Per capire come gli artisti visivi hanno storicamente utilizzato l'iconografia quir per contestare le gerarchie culturali e sociali, è importante determinare cos'è la stranezza. Quire si riferisce a identità che non soddisfano i tradizionali ruoli di genere e/o norme sessuali. Possono essere persone che si identificano come LGBT + e chiunque sfida le aspettative eteronormative con il loro comportamento, l'aspetto o le convinzioni. Nel corso della storia, c'è stata una lunga tradizione di espressione artistica queer, dall'antica Grecia fino ad oggi.
Un esempio di questo è nella mitologia greca. In molte storie, gli dei e le dee sono stati rappresentati come rapporti omosessuali, spesso tra uomini e giovani. Questi racconti hanno sfidato le norme sociali del patriarcato e il dominio degli adulti, che erano parte integrante della società greca all'epoca. Un altro esempio noto è il dipinto di Leonardo da Vinci, «La cena segreta», che mostra la figura femminile di Cristo circondato da discepoli maschi. Questo lavoro distrugge le immagini religiose tradizionali e offre un'interpretazione diversa dell'identità e del rapporto di Gesù con i suoi seguaci.
Durante il Rinascimento, artisti come Michelangelo Buonarroti e Raphael Sanzio usarono l'iconografia queer per sfidare le norme sociali relative alla virilità e alla femminilità. I loro dipinti rappresentano muscolose figure maschili con genitali esagerati, sfidando l'idea che la bellezza maschile è determinata esclusivamente dalla forza fisica e la virilità. Disegnavano anche dei nu femminili che sottolineavano la piegatura e la morbidezza sulle linee rigide, ridefinendo cosa significava essere belle.
Nel XIX secolo, artisti come Thomas Ikins e John Singer Sardent continuarono ad espandere i confini rappresentando il desiderio dello stesso sesso nei loro lavori. Il quadro di Ikins, «Max Schmitt in a Single Scull», mostra due giovani che remano insieme sul fiume, i loro corpi stretti l'uno contro l'altro. Allo stesso modo, nel ritratto di Paul Cesar Hellyo e Madame Hellyo, la coppia bacia con passione, circondata da colori colorati che simboleggiano fertilità e sensualità.
L'iconografia è stata usata anche per protestare contro le gerarchie sociali basate sulla razza e sulla classe. All'inizio del XX secolo, artisti come Romane Brooks e Frida Kahlo crearono ritratti di personalità marginali che sfidavano le aspettative di genere, come l'attrice lesbica afroamericana Ala Nazimova. Queste immagini hanno messo in luce la lotta che stanno affrontando coloro che si trovano al di fuori delle strutture tradizionali di potere e suggerito di guardare in un mondo in cui le persone potrebbero essere libere di esistere indipendentemente dal loro orientamento o identità sessuale.
Oggi molti artisti contemporanei continuano a usare l'iconografia quir per violare le norme culturali. L'installazione di Ai Weiwei, «Forever Bicycles», è un esempio perfetto che rappresenta centinaia di biciclette messe l'una sull'altra in diversi stati di spogliatura. L'opera sfida le tradizionali nozioni di mascolinità, femminilità e persino anatomia umana, invitando gli spettatori a mettere in discussione la natura dei ruoli di genere e le norme sociali.
In conclusione, gli artisti visivi usano da tempo l'iconografia quir per sfidare le gerarchie culturali e sociali, dall'antica Grecia a oggi. Distruggendo le narrazioni tradizionali intorno al sesso e alla sessualità, questi lavori offrono prospettive alternative che aprono i confini e ridefiniscono cosa significa essere umani.
Come gli artisti visivi hanno storicamente utilizzato l'iconografia quir per contestare le gerarchie culturali e sociali?
Come gli artisti visivi hanno storicamente utilizzato l'iconografia quir per contestare le gerarchie culturali e sociali?