Sztuka Queer to szeroka kategoria obejmująca wszystkie formy twórczej ekspresji artystów, którzy identyfikują się jako LGBTQ +, w tym obrazy, rzeźby, spektakle, filmy, muzyka, literatura i media cyfrowe. Metafory wizualne są jedną z najczęstszych metod używanych do przekazywania znaczenia w tym rodzaju dzieła sztuki, ponieważ mogą wywoływać emocje i idee bez użycia języka jawnego. W szczególności niektórzy artyści queer wykorzystali metafory wizualne do kwestionowania tradycyjnych założeń moralnych dotyczących seksu, seksualności i ról płci. Esej ten zbada, jak trzy metafory wizualne - „Pocałunek", „Między mężczyznami" i „Kobieta" - podważają moralne założenia widzów dotyczące płci, dynamiki władzy i norm społecznych otaczających płeć i relacje.
Pocałunek
Godnym uwagi przykładem wizualnej metafory w sztuce queer jest zdjęcie Roberta Mapplethorpe'a „Pocałunek". Obraz przedstawia dwóch mężczyzn namiętnie całujących się nago, ich ciała dotykające intymnie. Zdjęcie zostało zrobione w 1986 roku na wysokości epidemii HIV/AIDS, kiedy homoseksualizm nadal był tabu i publiczne pokazy uczuć zostały uznane za dewiacyjne zachowanie. Pokazując dwóm mężczyznom zaangażowanym w czyn postrzegany wówczas jako niemoralny lub zboczeniec, Mapplethorpe kwestionował konwencjonalną mądrość społeczeństwa co do tego, co znaczy być mężczyzną i heteroseksualistą. Podważył również ideę, że tylko kobiety powinny wyrażać swoją miłość do siebie poprzez kontakt fizyczny, który historycznie był problemem feministycznym.
Pomimo kontrowersji, Pocałunek pomógł normalizować relacje tej samej płci i zwrócił uwagę na zmagania gejów żyjących z HIV/AIDS twarzy. Wywołała również debatę na temat cenzury i wolności słowa, co doprowadziło do zwiększenia świadomości praw osób LGBTQ +. Mapplethorpe użył wizualnej metafory namiętnego pocałunku, aby przekazać swoją wiadomość tak, że była trzewna, potężna i niezapomniana. Powstałe zdjęcie jest teraz ikoniczne i służy jako symbol walki społeczności queer o akceptację i uznanie.
Between Men
Kolejnym przykładem metafory wizualnej w sztuce queer jest utwór „Between Men", wykonany przez artystę queer Rona Atheya w 1993 roku. W pracy znajdują się dwaj nagi mężczyźni uczestniczący w gwałtownym meczu wrestlingu, nosząc jednocześnie paski przymocowane do mechanizmu, który pobiera krew z ich ciał. Gra bada tematy dynamiki mocy, przemocy i seksualności w kontekście kultury BDSM. Przedstawiając scenę jako metaforę queer męskich relacji, Athey kwestionuje tradycyjne pojęcia ról płci i dominacji seksualnej.
Oprócz kwestionowania pojęcia dominacji i podporządkowania między mężczyznami, „Między mężczyznami" zajmuje się również kwestiami rasy i klasy. Obaj wykonawcy byli czarnymi mężczyznami, a publiczność była głównie biała i średnia. Zestaw ten budzi pytania o to, kto ma władzę w społeczeństwie i jak relacje władzy są budowane przez język, zachowanie i fizyczność. W rezultacie spektakl zachęca widzów do ponownego rozważenia własnych założeń dotyczących męskości i tożsamości.
Femme
Wreszcie, „Femme" to instalacja stworzona przez transseksualistę Lauren Lee McCarthy. Składa się z czterech ekranów pokazujących nagrania z jej wykonywania różnych zadań kobiecych - stosowania makijażu, gotowania kolacji, prania - podczas noszenia drag. Filmy podważają normy społeczne wokół ról i oczekiwań płci, pokazując mężczyznę ucieleśniającego tradycyjnie kobiece zachowanie. Podejmując te działania, McCarthy zmusza widzów do konfrontacji swoich idei co to znaczy być kobietą lub mężczyzną.
Użycie metafor wizualnych w sztuce queer, takich jak „Pocałunek", „Między mężczyznami" i „Kobieta", wyzwala moralne założenia widzów o seksie, płci i dynamice władzy. Rozbijając tradycyjne pojęcia seksualności i płci, zachęcają odbiorców do rozważenia nowych sposobów myślenia i stworzenia przestrzeni dla alternatywnych tożsamości. Prace te stały się ikoniczne w społeczności LGBTQ + i nadal inspirują artystów dzisiaj.
Metafory wizualne mogą być potężnymi narzędziami do wyzwań norm społecznych i podsycania rozmów wokół złożonych kwestii, takich jak seks, seksualność i płeć. Sztuka queer, która wykorzystuje metaforę wizualną, może zakłócić ugruntowane przekonania i sprowokować przemyślaną refleksję na te tematy. Badając różne perspektywy, możemy dowiedzieć się więcej o sobie i o sobie nawzajem i pracować nad stworzeniem sprawiedliwszego społeczeństwa.
Jak metafory wizualne w sztuce queer podważają moralne założenia widzów?
Metafory wizualne stosowane w sztuce queer zostały wykorzystane do tworzenia dzieł, które kwestionują tradycyjne role i normy płci, pokazując alternatywne reprezentacje seksualności i tożsamości. Przedstawienie tych pomysłów może być niezwykle zakłócające dla niektórych odbiorców, którzy mogą być zakwestionowani przez ich postrzeganie tego, co jest uważane za „normalne” lub akceptowalne, jeśli chodzi o ekspresję płci i seksualność.