Historyczne przedstawienia dziwności w sztuce zostały wykorzystane do badania różnych tematów związanych z płcią i seksualnością.
Podczas renesansu artyści często przedstawiali pary tej samej płci w swojej pracy jako alegorię miłości duchowej lub niepodzielnego romantycznego pragnienia.
Te obrazy były również pod głębokim wpływem doktryny chrześcijańskiej, która potępiała homoseksualizm jako grzeszny. W ten sposób można je postrzegać jako odzwierciedlenie napięcia między wierzeniami religijnymi a stosunkiem społeczeństwa do dziwności.
W epoce baroku artyści zaczęli przekraczać granice, przedstawiając bardziej wyraźne formy intymności tej samej płci w swojej twórczości. Obejmowało to postacie nagie zaangażowane w akty seksualne, a także obrazy, które badały idee dotyczące tożsamości płciowej i wykroczenia. Dzieła te zakwestionowały tradycyjne normy dotyczące seksualności i zakwestionowały binarną separację między ciałami płci męskiej i żeńskiej. Pozwolili też widzom na odbicie się na różne sposoby, pozwalając im przemyśleć własne osobowości i pragnienia.
W czasie Oświecenia artyści kontynuowali eksperymenty z pojęciami dziwności, ale coraz bardziej skupiali się na badaniach naukowych i filozoficznym poszukiwaniach natury ludzkiej. Niektórzy twierdzili, że dziwność jest naturalnym wyrazem naszego składu biologicznego, podczas gdy inni uważali, że jest to po prostu efekt uwarunkowań społecznych. Debata ta doprowadziła do nowego zrozumienia ciała jako miejsca przyjemności i siły, a także jako tematu studiów i studiów.
XIX wieku nastąpiło ponowne zainteresowanie reprezentacją ciał queer w sztuce, zwłaszcza wśród Bractwa Przedraficznego. W ich twórczości często występowały pary tej samej płci zaangażowane w namiętne uściski lub zmysłowe pozy, a także elementy z mitologii klasycznej i alegorii. Członkowie grupy byli pod wpływem pojawiającej się dziedziny seksuologii, która starała się zrozumieć początki ludzkiego zachowania poprzez obserwację empiryczną i analizę.
Na początku XX wieku modernistyczni artyści, tacy jak Pablo Picasso i Henri Matisse, zaczęli badać ideę ciała jako płótna do wyrażania siebie. Ich dzieło często przedstawiało postacie angażujące się w jawne akty intymności, podważające konwencjonalną mądrość co do „normalnej" seksualności. Doprowadziło to do szerszej akceptacji nieheteronormatywnych form pragnienia i tożsamości.
Współcześni artyści nadal przekraczają granice płci i seksualności w swojej pracy. Mogą używać wydajności, instalacji wideo lub innych środków, aby dowiedzieć się złożoności pracy z queer. Te dzieła kwestionują normy społeczne i kwestionują tradycyjne pojęcia piękna, pożądania i pożądania. Otwierają więc nowe perspektywy naszych stosunków z nami i innymi.
Jak historyczne przedstawienia dziwności w sztuce pokazują zmianę filozoficznego nastawienia do ciała?
Historia sztuki Queer widział przejście od jednorodnego i sztywnego zrozumienia ról płci i seksualności do bardziej integracyjnego i płynnego, który uwzględnia różne płci, tożsamości i orientacji. Rosnąca popularność społeczności LGBTQ + wpłynęła również na sposób, w jaki artyści z czasem przedstawiali niepewność. Na przykład w starożytnej Grecji stosunki homoseksualne były akceptowalne tylko wśród mężczyzn i nie były uważane za tabu.