Immagini storiche della stranezza nell'arte sono state utilizzate per studiare diversi temi legati al sesso e alla sessualità.
Durante il Rinascimento, gli artisti spesso rappresentavano le coppie dello stesso sesso come allegoria di un amore spirituale o di un desiderio romantico non condiviso.
Queste immagini sono state profondamente influenzate anche dalla dottrina cristiana che denunciava l'omosessualità come peccaminosa. Quindi possono essere considerate come un riflesso delle tensioni tra le convinzioni religiose e l'atteggiamento della società verso la stranezza.
In epoca barocca, gli artisti cominciarono ad espandere i confini rappresentando forme più evidenti di intimità omosessuale nei loro lavori. Questo includeva figure nude coinvolte in atti sessuali e dipinti che esploravano le idee sull'identità di genere e la transgressione. Questi lavori hanno contestato le norme tradizionali sulla sessualità e messo in discussione la divisione binaria tra il corpo maschile e quello femminile. Hanno anche permesso agli spettatori di vedersi riflessi in modo diverso, permettendo loro di ripensare le loro identità e i loro desideri.
Durante l'Illuminazione, gli artisti hanno continuato a sperimentare le visioni dell'estraneità, ma si sono concentrati sempre di più sullo studio scientifico e sulla ricerca filosofica sulla natura umana. Alcuni sostenevano che l'estraneità fosse l'espressione naturale della nostra composizione biologica, mentre altri ritenevano che fosse solo il risultato di un condizionamento sociale. Questo dibattito ha portato a una nuova comprensione del corpo come luogo di piacere e di forza e come materia di studio e studio.
Nel XIX secolo, l'interesse per la rappresentazione dei corpi quir nell'arte, in particolare tra le Confraternite Prerafaelite. I loro lavori includevano spesso coppie omosessuali impegnate in abbracci passionali o in posizioni sensuali, ma anche elementi di mitologia classica e allegoria. I membri del gruppo erano influenzati dall'emergente campo della sessuologia, che cercava di comprendere le origini del comportamento umano attraverso osservazioni e analisi empiriche.
All'inizio del XX secolo, artisti modernisti come Pablo Picasso e Henri Matisse cominciarono a esplorare l'idea del corpo come tela per esprimersi. I loro lavori hanno spesso rappresentato figure coinvolte in evidenti atti di intimità, sfidando la visione comune di ciò che costituisce la sessualità «normale». Ciò ha portato ad un più ampio riconoscimento di forme di desiderio e identità non steronormative.
Oggi gli artisti contemporanei continuano ad espandere i limiti intorno al gender e alla sessualità nei loro lavori. Essi possono utilizzare performance, videosorveglianza o altri strumenti per studiare la complessità del lavoro con queer. Questi lavori mettono in discussione le norme sociali e sfidano le tradizionali nozioni di bellezza, desiderio e desiderio. In questo modo, aprono nuove prospettive alla nostra relazione con noi e gli altri.
In che modo le immagini storiche dell'estraneità nell'arte mostrano un cambiamento nella filosofia del corpo?
La storia dell'arte queer ha visto passare da una comprensione omogenea e rigida dei ruoli di genere e della sessualità a una più inclusiva e fluida che tiene conto dei vari generatori, identità e orientamento. La crescente fama della comunità LGBT + ha influenzato anche il modo in cui gli artisti hanno rappresentato l'estraneità nel tempo. In Grecia antica, ad esempio, le relazioni omosessuali erano accettabili solo tra gli uomini e non erano considerate tabù.