Les réalisateurs de films utilisent souvent diverses méthodes pour représenter une lutte étrange et la durabilité à travers le symbolisme visuel. Cette technique consiste à utiliser des images, des objets, des couleurs, des sons et des mouvements pour créer un sens au-delà de ce qui est littéralement représenté dans la scène.
Par exemple, dans le film « Gorbaty Mountain », le réalisateur Ang Lee utilise le rouge pour symboliser l'amour passionné entre Ennis Del Mar et Jack Twist. La couleur apparaît souvent tout au long du film, à partir de leur première rencontre, quand ils se voient à travers le pâturage, et continue jusqu'à la fin, quand Ennis tient la main de son amant mort enveloppé dans un bandana rouge. En outre, le réalisateur utilise également de l'eau, des montagnes, des chevaux et des clôtures de fil barbelé pour transmettre la confusion émotionnelle de ces personnages. L'eau représente la liberté et les montagnes la stabilité et la sécurité. Les clôtures de fil barbelé impliquent une conclusion et une restriction qui fait écho à la lutte d'Ennis pour accepter sa sexualité. Le film montre comment ces symboles peuvent être utilisés pour exprimer les nuances d'une identité et d'expériences étranges.
Dans un autre film, « La fille du Danemark » du réalisateur Tom Hooper, le réalisateur utilise un tableau intitulé « Portrait de Lily Elbe » comme symbole central. Le portrait est une métaphore importante pour le chemin du personnage vers devenir son vrai Soi, et il devient de plus en plus central dans l'histoire au fur et à mesure qu'elle passe à la femme. Tout au long du film, la peinture change d'apparence pour refléter le conflit intérieur et la croissance de Lily, tandis que les couleurs vives se ternissent et s'atténuent progressivement quand elle rencontre des problèmes et des obstacles. À un moment, le portrait est même coupé en deux, reflétant l'écart de Lily avec sa partenaire Gerda Wegener. Cette représentation visuelle traduit puissamment les luttes et les triomphes de la transition entre les sexes et l'importance de l'expression de soi.
Enfin, dans le film Moonlight, écrit et réalisé par Barry Jenkins, l'utilisation de la lumière et des ténèbres crée un contraste puissant qui parle avec les thèmes du film. La lumière est souvent associée à l'espérance et à la rédemption, tandis que les ténèbres représentent le désespoir et l'isolement.
Par exemple, quand Chiron lutte contre son identité et cherche un lien, il erre dans des rues peu éclairées ou est assis seul dans des chambres obscures. Au contraire, quand il trouve réconfort et réconfort dans les bras de Kevin, ils sont entourés par le soleil brillant et la chaleur. Ces indices visuels créent une sensation de profondeur émotionnelle qui va au-delà de ce qui a pu être atteint uniquement par le dialogue ou la narration.
En général, ces exemples illustrent comment les réalisateurs de films peuvent utiliser les symboles visuels pour étudier les questions complexes liées à l'identité et à l'expérience queer.
Comment les réalisateurs utilisent-ils les symboles visuels pour transmettre une lutte et une résilience étranges ?
Dans son film primé Femme pastèque, Cheryl Danier utilise le symbolisme visuel pour dépeindre l'effacement historique de la vie des femmes noires et la lutte contre la race et la sexualité. La pastèque est un symbole important dans le film qui représente à la fois l'histoire afro-américaine et les stéréotypes blancs sur les Noirs.