Los directores de cine a menudo utilizan diferentes métodos para representar luchas extrañas y resiliencia a través de símbolos visuales. Esta técnica incluye el uso de imágenes, objetos, colores, sonidos y movimientos para crear un significado que va más allá de lo que literalmente se representa en una escena.
Por ejemplo, en la película «La montaña jorobada», el director Ang Lee usa el color rojo para simbolizar el amor apasionado entre Ennis Del Mar y Jack Twist. El color aparece a menudo a lo largo de la película, comenzando con su primer encuentro, cuando se ven a través de un pasto, y continúa hasta el final, cuando Ennis sostiene la mano de su amada muerta envuelta en una bandana roja. Además, el director también utiliza agua, montañas, caballos y cercas de alambre de púas para transmitir la agitación emocional de estos personajes. El agua personifica la libertad y las montañas la estabilidad y la seguridad. Las vallas de alambre de púas implican encierro y restricción, lo que se hace eco de la lucha de Ennis por aceptar su sexualidad. La película muestra cómo estos símbolos pueden ser utilizados para expresar matices de extrañas identidades y experiencias.
En otra película, «La niña de Dinamarca», dirigida por Tom Hooper, el director utiliza un cuadro titulado «Retrato de Lily Elbe» como símbolo central. El retrato es una metáfora importante para el camino del personaje hacia convertirse en su verdadero Yo, y se vuelve cada vez más central en la trama a medida que pasa a la mujer. A lo largo de la película, la pintura cambia su apariencia para reflejar el conflicto interno y el crecimiento de Lily, mientras que los colores brillantes gradualmente se atenúan y suavizan cuando se enfrenta a problemas y obstáculos. En un momento dado, el retrato incluso se corta por la mitad, reflejando la separación de Lily de su compañera Gerda Wegener. Esta representación visual transmite poderosamente las luchas y triunfos de la transición de género y la importancia de expresarse.
Finalmente, en la película Moonlight, escrita y dirigida por Barry Jenkins, el uso de la luz y la oscuridad crea un poderoso contraste que habla con los temas de la película. La luz a menudo se asocia con la esperanza y la redención, mientras que la oscuridad representa desesperación y aislamiento.
Por ejemplo, cuando Girón lucha con su personalidad y busca una conexión, deambula por calles poco iluminadas o se sienta solo en habitaciones oscuras. Por el contrario, cuando encuentra consuelo y consuelo en los brazos de Kevin, están rodeados de sol brillante y calor. Estas pistas visuales crean una sensación de profundidad emocional que va más allá de lo que se podía lograr exclusivamente a través del diálogo o la narración.
En general, estos ejemplos ilustran cómo los directores de películas pueden utilizar símbolos visuales para explorar cuestiones complejas relacionadas con la identidad y la experiencia queer.
¿Cómo utilizan los directores el simbolismo visual para transmitir luchas y resiliencia extrañas?
En su premiada película «La mujer sandía», Cheryl Danier utiliza el simbolismo visual para retratar el borrón histórico de la vida de las mujeres negras y la lucha contra la raza y la sexualidad. La sandía es un símbolo importante en la película que representa tanto la historia afroamericana como los estereotipos blancos sobre los negros.