酷儿艺术的历史充满了艺术家的例子，他们利用他们的作品颠覆规范并挑战社会的期望。从现代主义的早期到今天的互联网时代，许多LGBTQ+艺术家创作了开创性的作品，质疑传统的性别角色，探索性欲并表达个人身份。酷儿艺术家也因其非常规的生活和艺术方法而经常面临审查，压迫和边缘化。但是，这些艺术家没有沉默，而是制定了创新的策略来对抗他们的压迫者并继续创造有意义的艺术。在这篇文章中，我将讨论酷儿艺术家用来对抗审查制度、压迫和边缘化的三种创造性策略，以及它们如何为当代艺术实践和文化批评提供信息。首先，我将考虑使用符号图像作为在没有明确表示的情况下传播LGBTQ+体验的一种方式。其次，我探讨了互文性的概念，以及它如何允许酷儿艺术家引用其他文本，同时提出新的想法。最后，我将分析使用表演艺术为观众创造互动空间，使其处理酷儿主题。通过详细研究这些策略，我希望展示它们对个人艺术家和更广泛文化的发展有多重要。符号图像酷儿艺术家使用的常见策略之一是使用符号图像来表示陌生而无需直接表示。从古希腊陶器到安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的当代作品，整个历史都采用了这种方法。例如，沃霍尔（Warhol）在他的画作《梦想》（Dream）（1963）中描绘了变性女演员和偶像摔跤手坎迪·达林（Candy Darling）在被鲜花包围的临终前睡觉。图像的鲜艳色彩和平坦性表明，沃霍尔故意回避了传统的性别规范，但是主题的细节也清楚地表明他参与了性认同问题。同样，费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯（FelixGonzález-Torres）1987年的装置作品《无名》由几堆糖组成，代表他的伴侣死于艾滋病。尽管作品中没有裸露或露骨的性内容，但糖的存在无疑是色情的，涉及艺术家与失去的爱之间的亲密联系。这些片段说明了酷儿艺术家如何利用微妙和抽象来传达复杂的情感和经历。酷儿艺术家使用的其他技术是互文性，其中包括在提出新想法时转向其他文本。长期以来，这种方法一直是酷儿艺术家与社区建立联系并创造有意义的艺术的一种方式。1980年代，像约翰·沃特斯（John Waters）这样的酷儿电影制片人开始将主流电影的参考纳入自己的电影中，以此来推翻期望。他的标志性经典平克·弗拉明戈斯（Pink Flamingos）代表以著名名人命名的角色，并扮演善恶的概念。同样，艺术家罗伯特·马普索普（Robert Mapplethorpe）在摄影中使用经典图像来批评关于美丽和欲望的传统观念。通过通过酷儿镜头重新诠释现有作品，这些艺术家能够在没有明确指示的情况下违抗社会规范。如今，互文性仍然是酷儿艺术家寻求吸引观众和突破界限的有力工具。例如，大卫·霍克尼（David Hockney）的画作经常在家中描绘同性恋者，周围环绕着大众文化对象，例如电视和电话。这些日常物品有助于使人物在现实中扎根，并暗示他们在社会中处于边缘地位。最后，表演似乎是酷儿艺术家创造互动空间的一种方式，以便观众可以追求怪异。从拖曳表演到实验性的戏剧表演，这些活动邀请观众参与创作过程，并探索原本可能被忽视的主题。实验剧院公司La MaMa ETC由艾伦·斯图尔特（Ellen Stewart）于1960年代后期创立，是LGBTQ+艺术家表演无法在其他地方展出的作品的安全空间。该公司的作品经常以裸露，露骨的性内容和政治评论为特色，所有这些都是在亲密的环境中呈现的。同样，表演艺术家卡伦·芬利（Karen Finley）在她的作品中加入了令人震惊的材料，包括性行为的成员和图形描述。这些作品引起争议，引发了有关性别和性行为的新讨论。如今，表演艺术仍然是酷儿艺术场景的重要组成部分，为观众提供了以直接和个人方式体验奇怪的机会。
酷儿艺术家使用哪些创意策略来对抗审查，压迫和边缘化，以及这些策略如何为当代艺术实践和文化批评提供信息？
酷儿艺术家历来使用各种创作策略来挑战审查，压迫和边缘化，包括通过讽刺，讽刺和模仿来消除主流叙事；为自我表达创造替代社区和空间；将行动主义纳入其工作；研究非二进制身份和性别流动性；批评社会规范以及对性和性别的期望；包括无法分类的溷合形式和媒体。