Historia sztuki queer jest wypełniona przykładami artystów, którzy wykorzystali swoją pracę do podważania norm i kwestionowania oczekiwań społecznych. Od wczesnych czasów modernizmu do dzisiejszego wieku internetowego wielu artystów LGBTQ + stworzyło przełomowe dzieła kwestionujące tradycyjne role płci, badające pożądanie seksualne i wyrażające osobistą tożsamość. Twórcy queer również często zmagali się z cenzurą, uciszeniem i marginalizacją niekonwencjonalnych podejść do życia i sztuki. jednak, artyści ci opracowali innowacyjne strategie konfrontacji swoich ciemiężycieli i nadal tworzyć znaczącą sztukę.
W tym eseju, Omówię trzy kreatywne strategie stosowane przez twórców queer do przeciwdziałania cenzurze, ucisk i marginalizacja, jak informują współczesną praktykę sztuki i krytykę kulturową. Najpierw rozważę wykorzystanie obrazu symbolicznego jako sposób na przekazanie doświadczenia LGBTQ + bez wyraźnej reprezentacji. Po drugie, zastanawiam się nad koncepcją intertekstualności i tym, jak pozwala ona twórcom queer na odwoływanie się do innych tekstów przy okazji prezentacji nowych pomysłów.
Wreszcie przeanalizuję wykorzystanie sztuki performance do tworzenia interaktywnych przestrzeni dla publiczności do angażowania się w tematy queer. Patrząc szczegółowo na te strategie, mam nadzieję pokazać, jak ważne są one dla rozwoju zarówno poszczególnych artystów, jak i szerszej kultury.
Symbolic Imagery
Jedną z wspólnych strategii wykorzystywanych przez twórców queer jest użycie symbolicznego obrazu do reprezentowania dziwności bez bezpośredniej reprezentacji. Podejście to było stosowane w całej historii, od starożytnej ceramiki greckiej po współczesne dzieło Andy'ego Warhola.
Na przykład w swoim filmie „Sen" (1963) Warhol przedstawia transseksualną aktorkę i ikonoklastę Candy Darling śpiącą na łożu śmierci otoczoną kwiatami. Jasne kolory i płaskość obrazu sugerują, że Warhol celowo unikał tradycyjnych norm płciowych, ale specyfika tematu jasno pokazuje, że zajmował się kwestiami tożsamości seksualnej. Podobnie, instalacja Felix Gonzalez-Torres 1987 „Untitled" składa się z kilku stosów cukru reprezentujących jego partnera, który zmarł na AIDS. Chociaż w pracy nie pojawia się żadna nagość ani nadmiernie seksualna treść, obecność cukru jest niewątpliwie erotyczna i sugeruje intymne powiązanie artysty z ich utraconą miłością. Fragmenty te ilustrują, jak queer artyści mogą przekazywać złożone emocje i doświadczenia za pomocą subtelności i abstrakcji.
Intertextuality
Inną techniką stosowaną przez twórców queer jest interteksualność, która polega na odwoływaniu się do innych tekstów podczas prezentacji nowych pomysłów. Metoda ta była od dawna wykorzystywana jako sposób dla twórców queer do łączenia się ze swoimi społecznościami i tworzenia sensownych art. W latach osiemdziesiątych XX wieku twórcy filmów queer, tacy jak John Waters, zaczęli włączać odniesienia do kina głównego nurtu do własnych filmów jako sposób na podważanie oczekiwań. Jego kultowy klasyczny Pink Flamingos wprowadza postacie nazwane na cześć sławnych gwiazd i gra z pojęciami dobra i zła. Podobnie, artysta Robert Mapplethorpe wykorzystał klasyczne obrazy w swoich fotografiach do krytyki tradycyjnych pojęć piękna i pragnienia. Reinterpretując istniejące dzieła poprzez soczewkę queer, artyści ci byli w stanie zakwestionować normy społeczne, nie precyzując ich wprost. Współcześnie interteksualność nadal jest potężnym narzędziem dla twórców queer, którzy dążą do zaangażowania publiczności i przesuwania granic.
Na przykład obrazy Davida Hockneya często pokazują gejów w domu otoczonych obiektami kultury popularnej, takimi jak telewizory i telefony. Te codzienne przedmioty pomagają w uzasadnieniu postaci w rzeczywistości, a także sugerują ich marginalizację w społeczeństwie.
Performance
Wreszcie, występ pojawił się jako sposób dla twórców queer do tworzenia interaktywnych przestrzeni dla widzów, aby zaangażować się w queerness.Od przeciągania koncertów po eksperymentalne spektakle teatralne, wydarzenia te zapraszają widzów do udziału w procesie twórczym i poznawania tematów, które w przeciwnym razie mogą padać na głuche uszy. La MaMa ETC Experimental Theatre Company została założona przez Ellen Stewart pod koniec 1960 roku jako bezpieczna przestrzeń dla artystów LGBTQ + do wykonywania prac, które nie mogły być pokazane gdzie indziej. Produkcje firmy często zawierały nagość, wyraźne treści seksualne i komentarz polityczny, wszystkie prezentowane w intymnych ustawieniach. Podobnie, performance artystka Karen Finley słynnie włączyła szokujący materiał do swojej pracy, w tym samookaleczenie i graficzne opisy aktów seksualnych. Będąc kontrowersyjnym, te prace otworzyły nowe rozmowy na temat płci i seksualności. Dziś sztuka performatywna pozostaje istotnym elementem sceny sztuki queer, oferując publiczności możliwość doświadczania dziwności w sposób bezpośredni i osobisty.
Jakie strategie twórcze wykorzystują twórcy queer do przeciwdziałania cenzurze, uciskowi i marginalizacji i jak te strategie informują współczesną praktykę artystyczną i krytykę kulturową?
Twórcy Queer historycznie wykorzystali różne strategie twórcze do kwestionowania cenzury, ucisku i marginalizacji, w tym subverting dominujących narracji poprzez ironię, satyry i parodii; tworzenie alternatywnych społeczności i przestrzeni ekspresji; włączenie aktywizmu do ich pracy; zbadanie tożsamości niepohamowanych i płynności płci; krytykę norm społecznych i oczekiwań dotyczących seksualności i płci; i obejmujące formy hybrydowe i media przeciwstawiające się kategoryzacji.