W jaki sposób metafora granic w sztuce queer oświeca kwestie liminalności, dumy i harmonizacji norm społecznych?
Metafora granicy jest często używana w sztuce queer do poznawania tematów związanych z liminalnością, dumą i dostosowywaniem norm społecznych. W tym artykule przyglądamy się, jak twórcy queer wykorzystali ideę granic do tworzenia pracy, która kwestionuje tradycyjne definicje płci i tożsamości. Patrzymy też na to, jak te dzieła można odczytywać jako odbicie osobistych zmagań z tożsamością i jak mogą one pomóc czytelnikom kwestionować własne założenia co to znaczy być „normalnym".
Liminality and the Border Metafora
Liminality odnosi się do stanu bycia między dwoma stanami, takimi jak przestrzeń między dzieciństwem a dorosłością. Może również odnosić się do przestrzeni między płciami, którą wielu artystów queer bada przez metaforę granicy.
W piosence Fiona Apple „Criminal" śpiewa o uczuciu, jakby utknęła na środku ulicy, nie mogąc ruszyć do przodu ani do tyłu. To poczucie liminalności znajduje odzwierciedlenie w tekstach piosenki:
" Chodzę w dół alei/czuję się tak w środku/Słońce leje na mnie swoje światło/I można zabrać moje serce"
Ta liryka wywołuje uczucie, że spadł między dwoma stanami, wspólne doświadczenie dla ludzi, którzy pytają ich seksualność lub tożsamość płciową.
Artystka Nan Goldin wykorzystuje fotografię do poznawania własnych doświadczeń z liminalnością. Jej seria „The Ballad of Sex Addiction" przedstawia wizerunki transseksualnych osobowości i przeciągających wykonawców, którzy żyją w stanie dwuznaczności między tożsamościami mężczyzn i kobiet. Fotografie te przechwytują chwile przemiany i przemiany, pokazując złożoność ludzkiego doświadczenia poza tradycyjnymi podwójnymi obrazami.
Selfhood and the Border Metafora
Kolejnym tematem, który twórcy queer badają używając metafory granicy, jest selfity. Chodzi tu o to, że nasze tożsamości nie są stałe, ale ciągle się zmieniają i zmieniają, podobnie jak granice między krajami. W ten sposób możemy postrzegać siebie jako płynne i stale ewoluujące istoty. Znalazło to odzwierciedlenie w twórczości artysty Zanele Muholi, który tworzy portrety czarnych lesbijek mieszkających w RPA. W tych portretach, Muholi rejestruje intymność i związek między tymi kobietami, i rzuca wyzwanie dominującej narracji, co to znaczy być czarnym i kobietą w społeczeństwie południowoafrykańskim. Skupiając się na granicy między nimi a światem zewnętrznym, Muholi pokazuje, jak tworzą własne poczucie dumy pomimo ucisku.
Negocjowanie norm społecznych
Metafora granicy może być wykorzystywana do badania norm społecznych.
W swojej sztuce „Piss Christ", Andres Serrano niszczy chrześcijańskie wyobrażenia umieszczając krucyfiks w słoiku jego moczu. Kwestionuje więc normy społeczne dotyczące religii i seksualności, a także granicę między świętym a wulgarnym. Podobnie, artystka Alma Thomas wykorzystuje malarstwo do kwestionowania norm społecznych otaczających rasę i płeć. Jej praca często zawiera abstrakcyjne kształty i kolory, które przeciwstawiają się prostej kategoryzacji, tworząc przestrzeń, w której granice mogą być rozmyte i redefiniowane.
Zastosowanie metafory granicy w sztuce queer pozwala artystom badać złożone kwestie tożsamości i norm społecznych. Badając limuzyny i omawiając tradycyjne definicje płci i seksualności, artyści ci dostarczają nowych sposobów myślenia o naszych relacjach z innymi i sobą. Dzięki ich pracy możemy zobaczyć, w jaki sposób nasze tożsamości stale się zmieniają i zmieniają, oraz w jaki sposób możemy przełamać bariery w tworzeniu społeczeństw bardziej integracyjnych i akceptujących.
W jaki sposób metafora granic w sztuce queer oświeca kwestie liminalności, dumy i harmonizacji norm społecznych?
Borderline metafora w sztuce queer często bada tematy związane z liminality, tożsamość, i dostosowanie norm społecznych. Artyści tacy jak Marlon Moraes, Dara Birnbaum i Zanele Muholi wykorzystali tę metaforę do zbadania płynności i złożoności płci i seksualności, podważając tradycyjne binaria i oczekiwania.