Les métaphores visuelles sont des images ou des objets qui représentent des concepts ou des idées abstraits au moyen d'une représentation visuelle. Dans l'art queer, ces métaphores peuvent prendre différentes formes, telles que des peintures, des sculptures, des photos, des vidéos, des performances, des installations et bien plus encore. Ils fonctionnent souvent comme des outils de critique sociale et de résistance, défiant les normes sociales dominantes et les notions de sexe et de sexualité.
L'interprétation de ces métaphores est influencée par divers facteurs, y compris le contexte culturel et l'expérience personnelle.
Les artistes queer utilisent des métaphores visuelles pour défier les rôles et les attentes traditionnels du genre.
Le livre de Judith Butler, « Gender Trouble », affirme que le sexe est performatif - que c'est ce que nous jouons, pas ce avec quoi nous naissons. Cette idée a été étudiée dans des œuvres telles que des photos de Diana Arbus avec des personnalités non conformes au genre et des collages de Gilbert et George avec des hommes habillés de manière croisée. Ces parties défient la binarité entre un homme et une femme, suggérant que le sexe est variable et peut être exprimé de plusieurs façons.
Dans d'autres cas, les métaphores visuelles dans l'art queer peuvent critiquer l'hétéronormative ou l'hypothèse que tous les êtres humains sont hétérosexuels.
L'installation de Felix González-Torres « Sans nom » (Portrait of Ross in L.A.) se compose d'un tas de bonbons avec une étiquette « Without End » placée en haut. L'œuvre représente le partenaire d'un artiste mort du sida, soulignant à quel point le VIH/sida a eu un impact disproportionné sur les gays dans les années 1980 et 1990. Cela montre également que l'amour ne peut être freiné ou contrôlé, sapant les conceptions sociales de la monogamie et des structures familiales.
L'interprétation de ces métaphores peut varier en fonction du contexte culturel et de l'expérience du spectateur.
Le spectateur occidental peut interpréter l'impression du shung japonais qui représente la proximité homosexuelle comme l'homoérotisme, tandis que le spectateur japonais va probablement considérer cela comme une représentation de l'érotisme normalisé dans sa culture. De même, le spectateur américain peut interpréter une œuvre de Jean-Michel Basquiat montrant deux figures nues avec des organes génitaux nus comme une critique des stéréotypes raciaux autour de la virilité noire, tandis que le spectateur non américain peut considérer cela comme une simple fête de la noirceur.
Les métaphores visuelles dans l'art queer servent d'outils pour la critique sociale et la résistance, la contestation des normes sociales dominantes et des notions de sexe et de sexualité. Leur signification est influencée par le contexte culturel et les expériences personnelles, ce qui en fait des symboles complexes et nuancés qui nécessitent un examen attentif. En comprenant ces facteurs, le public peut mieux apprécier la force et la signification de l'art queer.
Comment les métaphores visuelles dans l'art queer agissent-elles comme des outils de critique sociale et de résistance, et comment le contexte culturel médiatise-t-il leur interprétation ?
Des métaphores visuelles ont été utilisées par des artistes de communautés marginales pour protester contre l'oppression et la discrimination à travers l'histoire. De nos jours, les personnes LGBTQ + continuent d'utiliser cette forme d'expression pour défier les normes et les valeurs courantes qui leur refusent leur agence et leurs droits.