Visuelle Metaphern sind Bilder oder Objekte, die abstrakte Konzepte oder Ideen durch visuelle Darstellung darstellen. In der queeren Kunst können diese Metaphern viele Formen annehmen, wie Gemälde, Skulpturen, Fotografien, Videos, Performances, Installationen und vieles mehr. Sie fungieren oft als Werkzeuge der Sozialkritik und des Widerstands und stellen dominante soziale Normen und Vorstellungen von Geschlecht und Sexualität in Frage.
Die Interpretation dieser Metaphern wird von verschiedenen Faktoren beeinflusst, einschließlich des kulturellen Kontexts und der persönlichen Erfahrung.
Queere Künstler verwenden visuelle Metaphern, um traditionelle Geschlechterrollen und -erwartungen herauszufordern. Judith Butlers Buch „Gender Trouble" argumentiert, dass Geschlecht performativ ist - dass es das ist, was wir spielen, nicht das, womit wir geboren werden. Diese Idee wurde in Arbeiten wie Diana Arbus' Fotografien mit geschlechtsspezifisch unangemessenen Persönlichkeiten und Gilberts und Georges Collagen mit gekreuzten Männern untersucht. Diese Teile fordern die Binarität zwischen Mann und Frau heraus, was darauf hindeutet, dass das Geschlecht variabel ist und auf verschiedene Weise ausgedrückt werden kann. In anderen Fällen können visuelle Metaphern in der queeren Kunst Heteronormativität oder die Annahme, dass alle Menschen heterosexuell sind, kritisieren. Félix González-Torres' Installation „Untitled" (Porträt von Ross in L.A.) besteht aus einem Haufen Süßigkeiten mit einem Etikett mit der Aufschrift „Without End" auf der Oberseite. Die Arbeit stellt den Partner des an AIDS verstorbenen Künstlers vor und betont, wie HIV/AIDS in den 1980er und 1990er Jahren überproportional schwule Menschen beeinflusst hat. Es deutet auch darauf hin, dass Liebe nicht zurückgehalten oder kontrolliert werden kann, indem soziale Vorstellungen von Monogamie und Familienstrukturen untergraben werden.
Die Interpretation dieser Metaphern kann je nach kulturellem Hintergrund und Erfahrung des Betrachters variieren. Der westliche Betrachter kann den Druck des japanischen Shungs, der gleichgeschlechtliche Intimität darstellt, als Homoerotismus interpretieren, während der japanische Betrachter dies wahrscheinlich als Darstellung normalisierter Erotik in seiner Kultur sehen wird. Ebenso kann der amerikanische Betrachter ein Stück von Jean-Michel Basquiat interpretieren, das zwei nackte Figuren mit nackten Genitalien als Kritik an Rassenstereotypen rund um schwarze Männlichkeit zeigt, während der nicht-amerikanische Betrachter es als bloße Feier der Schwärze sehen kann.
Visuelle Metaphern in der queeren Kunst dienen als Werkzeuge für Gesellschaftskritik und Widerstand, um dominante gesellschaftliche Normen und Vorstellungen von Geschlecht und Sexualität herauszufordern. Ihre Bedeutung wird durch den kulturellen Kontext und die persönliche Erfahrung beeinflusst, was sie zu komplexen und nuancierten Symbolen macht, die einer sorgfältigen Betrachtung bedürfen. Durch das Verständnis dieser Faktoren kann das Publikum die Stärke und Bedeutung der queeren Kunst besser einschätzen.
Wie wirken visuelle Metaphern in der queeren Kunst als Instrumente der Gesellschaftskritik und des Widerstands und wie vermittelt der kulturelle Kontext ihre Interpretation?
Visuelle Metaphern wurden von Künstlern aus marginalisierten Gemeinschaften als Protestinstrumente gegen Unterdrückung und Diskriminierung im Laufe der Geschichte verwendet. Heutzutage verwenden LGBTQ + -Menschen diese Ausdrucksform weiterhin, um gängige Normen und Werte in Frage zu stellen, die ihnen ihre Agentur und ihre Rechte verweigern.