El cuerpo queer se utiliza a menudo para crear narraciones significativas en diferentes formas de arte que retratan experiencias y perspectivas LGBTQ +. Estas obras a veces se exhiben en galerías públicas o privadas, plataformas en línea, museos, exposiciones, teatros, salas de conciertos, festivales, etc., donde pueden llegar a un gran público en todo el mundo. Pero, ¿qué sucede cuando estos cuerpos se convierten en objetos mercantilizados? ¿Cómo resisten los artistas esta tendencia? ¿Qué impacto tiene la comercialización en su trabajo? ¿Se puede mantener dentro de las comunidades? En este ensayo se abordará cómo la puesta en escena del cuerpo queer refleja la dinámica de visibilidad de la política y la responsabilidad de la comunidad.
Echemos un vistazo a la mercantilización. Cuando un artista crea una obra sobre problemas LGBTQ +, se convierte en parte de su marca personal e identidad como creador. Así, puede llamar la atención de las galerías que buscan nuevos talentos para demostrar, lo que redundará en éxito comercial.
Aunque este éxito es tentador, también tiene sus contras. El comercialismo conduce a una mayor presión para producir más trabajo o cambiar su estilo para atraer a un público más amplio. También plantea la cuestión de si el arte queer debe existir exclusivamente para fines de lucro o si también debe haber espacio para el activismo.
Necesitamos considerar la política de visibilidad. Con el crecimiento de las plataformas de redes sociales como Instagram y TikTok, cualquier persona que tenga acceso al teléfono puede crear obras de arte que involucren a sí misma u otras sin restricciones. Aunque permite una representación más diversa, también abre oportunidades de explotación para empresas que buscan mano de obra barata o campañas publicitarias explotadoras. Para contrarrestar esto, algunas comunidades han implementado códigos de conducta que regulan quién puede usar ciertas imágenes o historias.
Los artistas de arrastrar y soltar a menudo requieren consentimiento antes de ser fotografiados durante el espectáculo.
Debemos estudiar la sostenibilidad. Los ecosistemas artísticos sostenibles son aquellos donde todos los participantes se benefician económicamente, no solo artistas de primer nivel que ganan millones con sus obras. Los artistas pueden encontrar maneras de eludir esto colaborando en proyectos juntos, no en solitario. También pueden crear series limitadas de obras que se agotan rápidamente, pero no sobreproducirlas.
Pueden alentar el patrocinio de empresas o individuos dispuestos a invertir en apoyo a largo plazo en lugar de en beneficios a corto plazo.
La puesta en escena de un órgano extraño requiere una cuidadosa consideración en relación con la mercantilización, la visibilidad de la política, el activismo, la responsabilidad comunitaria y la sostenibilidad cuando se trabaja en entornos institucionales como galerías o espacios digitales. Al priorizar estos factores, los creadores pueden garantizar que su arte sea tanto accesible como significativo, manteniéndose fieles a sus valores como individuos y comunidades.