Ciało queer jest często używane do tworzenia sensownych narracji w różnych formach sztuki, które przedstawiają doświadczenia i perspektywy LGBTQ +. Prace te są czasem pokazywane w publicznych lub prywatnych galeriach, platformach internetowych, muzeach, wystawach, teatrach, salach koncertowych, festiwalach itp., gdzie mogą dotrzeć do dużych odbiorców na całym świecie. Ale co się stanie, gdy te ciała staną się przedmiotami towarowymi? Jak artyści opierają się temu trendowi? Jaki wpływ ma komercjalizacja na ich pracę? Czy można ją utrzymać w społecznościach? Ten esej zbada, w jaki sposób stadium organizmu queer odzwierciedla dynamikę widoczności polityki i odpowiedzialność społeczności.
Spójrzmy na komodyfikację. Kiedy artysta tworzy utwór o problemach LGBTQ +, staje się częścią ich osobistej marki i tożsamości jako twórcy. Jako takie, może przyciągnąć uwagę galerii szukających nowych talentów do prezentacji, co prowadzi do sukcesu komercyjnego.
Chociaż ten sukces jest kuszący, ma również swoje wady. Komercjalizm prowadzi do zwiększonej presji, aby stworzyć więcej pracy lub zmienić swój styl, aby odwołać się do szerszej publiczności. Nasuwa się również pytanie, czy sztuka queer powinna istnieć wyłącznie dla zysku, czy też powinna istnieć możliwość aktywizmu.
Musimy przejrzeć politykę widoczności. Wraz z rozwojem platform mediów społecznościowych, takich jak Instagram i TikTok, każdy, kto ma dostęp do telefonu, może tworzyć dzieła sztuki wyposażone siebie lub innych bez ograniczeń. Wprawdzie pozwala to na bardziej zróżnicowaną reprezentację, ale również otwiera możliwości wykorzystania przez przedsiębiorstwa poszukujące tanich akcji reklamowych w zakresie pracy lub wyzysku. Aby temu przeciwdziałać, niektóre społeczności wdrożyły kodeksy postępowania, które rządzą, którzy mogą używać pewnych obrazów lub opowieści.
Przed sfotografowaniem podczas pokazu wykonawcy przeciągający często wymagają zgody.
Musimy zbadać zrównoważony rozwój. Ekosystemy sztuki zrównoważonej to te, w których każdy zaangażowany korzysta finansowo, a nie tylko artyści czołowi, zarabiający miliony z pracy. Artyści mogą znaleźć sposoby na to, współpracując przy projektach razem, a nie solo. Mogą również tworzyć ograniczone serie utworów, które szybko się sprzedają, ale nie nadprodukują ich.
Mogą zachęcać do patronatu korporacji lub osób skłonnych inwestować w długoterminowe wsparcie, a nie w krótkoterminowe zyski.
Wystawianie dziwnego organu wymaga starannego rozważenia w odniesieniu do komodyfikacji, widoczności polityki, aktywizmu, odpowiedzialności społeczności i zrównoważonego rozwoju podczas działania w ustawieniach instytucjonalnych, takich jak galerie czy przestrzenie cyfrowe. Nadając priorytet tym czynnikom, twórcy mogą zapewnić, że ich sztuka jest zarówno dostępna, jak i znacząca, zachowując wierność swoim wartościom jako jednostki i społeczności.