Квир-тело часто используется для создания значимых повествований в различных формах искусства, которые изображают опыт и перспективы ЛГБТК +. Эти работы иногда демонстрируются в публичных или частных галереях, онлайн-платформах, музеях, выставках, театрах, концертных залах, фестивалях и т. д., где они могут охватить большую аудиторию по всему миру. Но что происходит, когда эти тела становятся коммодифицированными объектами? Как художники сопротивляются этой тенденции? Какое влияние оказывает коммерциализация на их работу? Можно ли его поддерживать внутри сообществ? В этом эссе будет рассмотрено, как постановка квир-тела отражает динамику видимости политики и ответственности сообщества.
Давайте посмотрим на коммодификацию. Когда художник создает произведение о проблемах ЛГБТК +, оно становится частью их личного бренда и идентичности как создателя. Таким образом, он может привлечь внимание галерей, ищущих новых талантов для демонстрации, что приведет к коммерческому успеху.
Хотя этот успех заманчивый, у него есть и свои минусы. Коммерциализм приводит к повышенному давлению, чтобы произвести больше работы или изменить свой стиль, чтобы привлечь более широкую аудиторию. Это также поднимает вопрос о том, должно ли квир-искусство существовать исключительно ради прибыли или также должно быть место для активизма.
Нам нужно рассмотреть политику видимости. С ростом платформ социальных сетей, таких как Instagram и TikTok, любой человек, имеющий доступ к телефону, может создавать произведения искусства с участием себя или других без ограничений. Хотя это позволяет обеспечить более разнообразное представительство, это также открывает возможности для эксплуатации компаниями, которые ищут дешевую рабочую силу или эксплуататорские рекламные кампании. Чтобы противодействовать этому, некоторые сообщества внедрили кодексы поведения, которые регулируют, кто может использовать определенные изображения или истории.
Исполнители перетаскивания часто требуют согласия, прежде чем фотографироваться во время шоу.
Мы должны изучить устойчивость. Устойчивые художественные экосистемы - это те, где все участники получают финансовую выгоду, а не просто художники высшего уровня, зарабатывающие миллионы на своих работах. Художники могут найти способы обойти это, сотрудничая в проектах вместе, а не сольно. Они также могут создавать ограниченные серии произведений, которые быстро распродаются, но не перепроизводят их.
Они могут поощрять покровительство со стороны корпораций или частных лиц, готовых инвестировать в долгосрочную поддержку, а не в краткосрочные прибыли.
Постановка странного органа требует тщательного рассмотрения в отношении коммодификации, видимости политики, активизма, ответственности сообщества и устойчивости при работе в институциональных условиях, таких как галереи или цифровые пространства. Расставляя приоритеты по этим факторам, создатели могут гарантировать, что их искусство будет как доступным, так и значимым, оставаясь верным своим ценностям как отдельных людей и сообществ.