Il corpo di Quire è spesso usato per creare narrazioni significative in diverse forme d'arte che rappresentano l'esperienza e le prospettive LGBT +. Queste opere sono talvolta mostrate in gallerie pubbliche o private, piattaforme online, musei, mostre, teatri, sale concerti, festival, ecc., dove possono raggiungere un grande pubblico in tutto il mondo. Ma cosa succede quando questi corpi diventano oggetti commodizzati? Come fanno gli artisti a resistere a questa tendenza? Che effetto ha la commercializzazione sul loro lavoro? Può essere mantenuto all'interno di una comunità? In questo saggio sarà considerato come la produzione di un corpo quir riflette la dinamica della visibilità della politica e la responsabilità della comunità.
Guardiamo la commodizzazione. Quando un artista crea un'opera sui problemi LGBT +, diventa parte del loro marchio personale e identità come creatore. In questo modo, può attirare l'attenzione delle gallerie alla ricerca di nuovi talenti per la dimostrazione che porterà al successo commerciale.
Anche se questo successo è allettante, ha anche i suoi svantaggi. Il commercialismo porta ad una maggiore pressione per produrre più lavoro o cambiare il proprio stile per attirare un pubblico più ampio. Questo solleva anche la questione se l'arte queer dovrebbe esistere solo per il profitto o se ci dovrebbe essere spazio per l'attivismo.
Dobbiamo considerare la politica di visibilità. Con la crescita di piattaforme di social media come Instagram e TikTok, chiunque abbia accesso al telefono può creare opere d'arte che coinvolgono se stessi o altri senza limiti. Anche se consente una maggiore rappresentanza, offre anche opportunità di sfruttamento per aziende che cercano manodopera a basso costo o campagne pubblicitarie. Per contrastarlo, alcune comunità hanno introdotto codici di comportamento che regolano chi può utilizzare immagini o storie specifiche.
Gli esecutori di trascinamento richiedono spesso il consenso prima di scattare foto durante lo spettacolo.
Dobbiamo studiare la sostenibilità. Gli ecosistemi artistici sostenibili sono quelli in cui tutti i partecipanti beneficiano finanziariamente, non solo artisti di primo livello che guadagnano milioni di dollari nel loro lavoro. Gli artisti possono trovare un modo per aggirarlo collaborando a progetti insieme, non solista. Possono anche creare una serie limitata di opere che vengono vendute rapidamente, ma non le sovrapproducono.
Possono incoraggiare il patrocinio da parte di aziende o privati disposti a investire nel sostegno a lungo termine anziché nel profitto a breve termine.
La creazione di un organo strano richiede un attento esame della commodizzazione, della visibilità della politica, dell'attivismo, della responsabilità della comunità e della sostenibilità in ambienti istituzionali come gallerie o spazi digitali. Dando priorità a questi fattori, i creatori possono garantire che la loro arte sia accessibile e significativa, pur rimanendo fedele ai propri valori come individui e comunità.