Le corps queer est souvent utilisé pour créer des récits significatifs dans diverses formes d'art qui représentent les expériences et les perspectives des LGBTQ +. Ces œuvres sont parfois présentées dans des galeries publiques ou privées, des plateformes en ligne, des musées, des expositions, des théâtres, des salles de concert, des festivals, etc., où elles peuvent atteindre un large public à travers le monde. Mais que se passe-t-il quand ces corps deviennent des objets marchands? Comment les artistes résistent-ils à cette tendance? Quel impact la commercialisation a-t-elle sur leur travail? Peut-il être maintenu au sein des communautés? Cet essai examinera comment la mise en scène du corps queer reflète la dynamique de visibilité de la politique et de la responsabilité de la communauté.
Examinons la marchandisation. Quand un artiste crée une œuvre sur les problèmes LGBTQ +, il devient une partie de leur marque personnelle et de leur identité en tant que créateur. De cette façon, il peut attirer l'attention des galeries à la recherche de nouveaux talents pour la démonstration, conduisant au succès commercial.
Bien que ce succès soit tentant, il a aussi ses inconvénients. Le commercialisme entraîne une pression accrue pour produire plus de travail ou pour changer de style afin d'attirer un public plus large. Cela soulève également la question de savoir si l'art queer doit exister uniquement pour le profit ou s'il doit y avoir une place pour l'activisme.
Nous devons considérer la politique de visibilité. Avec la croissance des plateformes de médias sociaux comme Instagram et TikTok, toute personne ayant accès à un téléphone peut créer des œuvres d'art impliquant elle-même ou d'autres personnes sans restriction. Bien que cela permette une représentation plus diversifiée, cela offre également des possibilités d'exploitation pour les entreprises qui recherchent une main-d'œuvre bon marché ou des campagnes publicitaires d'exploitation. Pour contrer cela, certaines communautés ont mis en place des codes de conduite qui régissent qui peut utiliser certaines images ou certaines histoires.
Les artistes de glisser-déposer exigent souvent le consentement avant d'être photographiés pendant le spectacle.
Nous devons étudier la durabilité. Les écosystèmes artistiques durables sont ceux où tous les participants profitent financièrement, pas seulement les artistes de haut niveau qui gagnent des millions dans leurs œuvres. Les artistes peuvent trouver des moyens de contourner cela en collaborant à des projets ensemble plutôt qu'en solo. Ils peuvent également créer des séries limitées d'œuvres qui se vendent rapidement, mais ne les surproduisent pas.
Ils peuvent encourager le soutien des entreprises ou des particuliers prêts à investir dans un soutien à long terme plutôt que dans des profits à court terme.
La mise en scène d'un organe étrange nécessite un examen attentif en ce qui concerne la marchandisation, la visibilité du politique, l'activisme, la responsabilité communautaire et la durabilité dans le cadre institutionnel, comme les galeries ou les espaces numériques. En accordant la priorité à ces facteurs, les créateurs peuvent s'assurer que leur art est à la fois accessible et significatif, tout en restant fidèles à leurs valeurs en tant qu'individus et communautés.