El cine queer es conocido por su enfoque único de la narrativa, que a menudo se desvía de las estructuras narrativas tradicionales. Una forma de lograrlo es utilizando la fragmentación narrativa, que implica romper la progresión lineal de los eventos en partes más pequeñas e interconectadas que exploran diferentes aspectos de la identidad y el deseo. Esta técnica permite a los cineastas desafiar la comprensión generalmente aceptada del tiempo, el espacio y el significado, creando sensaciones más complejas y matizadas de ver para el público.
En el cine queer, la fragmentación narrativa se utiliza a menudo para representar la complejidad de la identidad y el deseo de una manera que refleja la naturaleza variable de estos conceptos. Rompiendo la estructura narrativa tradicional, los cineastas tienen la oportunidad de crear una imagen más abierta y no lineal de la experiencia humana que desafía definiciones y categorías fijas. Así se puede ver en películas como «Mulholland Drive», de David Lynch, y «Berlin Alexanderplatz Fassbinder», de Rainer Werner Fassbinder, en las que ambos aparecen personajes que luchan por orientarse en sus personalidades y deseos dentro de las duras expectativas de la sociedad. En «Mulholland Drive», la protagonista Betty Elms (Naomi Watts) llega a Los Ángeles con sueños de estrellato, pero se siente cada vez más confundida y decepcionada mientras lucha por encontrar su lugar en la ciudad. La película utiliza flashbacks y un montaje no lineal para mostrar cómo su autoestima se forma por diversas influencias, incluyendo sus recuerdos de infancia, su relación con Rita (Laura Harring) y la presión para cumplir con los estándares de belleza y éxito de Hollywood. Del mismo modo, el Berlin Alexanderplatz sigue a Franz Biberkopf (Günther Lamprecht), un convicto recientemente liberado que intenta reconstruir su vida tras cumplir condena por asesinato. A través de su estructura fragmentada, la película explora las formas en que la personalidad de Biberkopf se construye a través de su interacción con otros, incluyendo sus relaciones con mujeres y hombres, sus experiencias en las calles de Berlín y sus propios conflictos internos.
La fragmentación narrativa también permite que el cine queer explore las tensiones entre lo privado y lo público. Rompiendo los límites entre el pasado y el presente, el interior y el exterior, los personajes son capaces de moverse libremente entre los diferentes niveles de conciencia y experiencia, revelando sus verdaderos deseos y temores de una manera que desafía las ideas tradicionales de identidad. Esto se puede ver en películas como «Carol» y «Lejos del cielo», de Todd Haynes, que ambos utilizan flashbacks y otros accesorios narrativos para revelar aspectos ocultos de la vida de sus personajes. En «Carol», la protagonista Carol Aird (Cate Blanchett) lucha por ocultar su atracción por Teresa Belivet (Rooney Mara), mientras su marido Harge (Kyle Chandler) intenta mantener el control de su familia. La película utiliza varias líneas argumentales para mostrar cómo el sentido de sí mismo de cada personaje se forma por su deseo, destacando el conflicto entre la verdad personal y las expectativas sociales. En «Lejos del cielo», Katie Whitaker (Julianne Moore) lucha contra su sexualidad y las limitaciones de la suburbia de los años 50, lo que lleva a una serie de eventos que desafían la estabilidad de su matrimonio y su relación con el hijo de Frankie (Douglas Smith). A través de su estructura no lineal, la película explora cómo se juegan estas fricciones en espacios privados y públicos, exponiendo las contradicciones e hipocresías de la clase media estadounidense.
Además de investigar la identidad y el deseo, la fragmentación narrativa también permite que el cine queer explore la dinámica del poder y las estructuras sociales. Rompiendo las convenciones de la narrativa tradicional, los cineastas son capaces de crear una visión más compleja y matizada de las relaciones humanas, destacando la fluidez y complejidad de las relaciones de poder.
En «Alien junto al lago», Alain Giraudy Frank (Pierre Deladoncham) golpea a Michel (Christophe Pau), pero pronto descubre que es un asesino en serie que caza a gays. A medida que los dos hombres se acercan, la película explora formas de usar el poder y abusar de él en relaciones íntimas, planteando preguntas sobre el consentimiento, el deseo y los límites de la confianza. Del mismo modo, el «Safe» de Todd Haynes sigue a Carol White (Julianne Moore), una ama de casa que cada vez está más aislada tras mudarse a un nuevo barrio. La película utiliza varias narraciones para mostrar cómo las expectativas de la sociedad hacia las mujeres limitan su capacidad de expresarse de manera creíble, lo que lleva a un sentimiento de alienación y desesperación.
La fragmentación narrativa es una herramienta importante para que el cine queer explore la complejidad filosófica de la identidad y el deseo. Rompiendo los métodos tradicionales de narración, los cineastas pueden crear una imagen más abierta y matizada de la experiencia humana, desafiando definiciones y categorías fijas, al tiempo que revelan las tensiones entre el «yo» público y el privado. Este enfoque permite a la audiencia ver el mundo a través de diferentes lentes, animándolos a reconsiderar sus propias suposiciones y creencias sobre el género, la sexualidad y las normas sociales.
¿Cómo utiliza el cine queer la fragmentación narrativa para expresar la complejidad filosófica de la identidad y el deseo?
El cine queer suele utilizar la fragmentación narrativa como herramienta para estudiar las complejidades de la identidad y el deseo a través de estructuras narrativas no lineales que desafían las relaciones binarias tradicionales entre sexo y sexualidad. Al destruir las narraciones lineales, estas películas pueden crear un espacio para la aparición de identidades y deseos alternativos, permitiendo a los espectadores replantear sus suposiciones sobre el campo, el sexo y la dinámica del poder.