L'estraneità è stata esplorata con diversi strumenti come letteratura, musica, arte, cinema e performance.
È la capacità di un artista di trasformare il proprio corpo in nuove forme che possono dare un'idea di come esplorano la propria identità e affrontano l'oppressione. In questo saggio si parlerà di cinque artisti che hanno usato metafore corporee per esprimersi, e come queste metafore riflettono la trasformazione dell'identità, la resistenza e la liberazione. Verranno anche esaminate alcune delle implicazioni filosofiche che derivano da questa pratica.
1 - Trasforma
Nella sua raccolta poetica Woy, Allen Ginsberg utilizza metafore corporee per descrivere il processo di trasformazione. La poesia si apre con «Ho visto le migliori menti della mia generazione distrutte dalla follia», che descrive la distruzione del conformismo. Il relatore parla poi dettagliatamente della sua esperienza quando viene etichettato come deviante per il suo orientamento sessuale e di come questo porta all'autodistruzione. Si descrive come «hipster angelici che bruciano per l'antico legame celeste con la dinamo macchina stellare della notte». Queste immagini suggeriscono un cambiamento nella mente quando il parlante è consapevole del legame spirituale che esiste al di là delle norme sociali. Usando la metafora del fatto che il corpo «brucia», Ginsberg sottolinea l'intensità dell'esperienza e il modo in cui lo spinge a rivalutare la propria comprensione di se stesso.
La poesia continua con metafore più corporee che mostrano come il parlante consideri la sua forma fisica come il luogo del cambiamento.
Scrive «le università passate con occhi luccicanti e freschi allucinanti Aristotele e fazzoletti nasali spezzati» suggerendo che abbia subito una trasformazione non solo mentale, ma anche fisica. Queste trasformazioni sono descritte come radicali, perché sfidano le concezioni tradizionali del campo e della sessualità. In un verso, Ginsberg scrive: «E quando tornammo/attraverso il neon di Madison Avenue/e venimmo bruciati in testa con grandi idee/avevamo visioni, venivamo/portavamo fiori contro tutta la follia». Qui usa la metafora del fuoco per descrivere quanto la strana identità sia spesso considerata una minaccia allo status quo della società. Portando fiori, il portavoce dimostra quanto siano in grado di resistere a questa oppressione, mostrando la loro vulnerabilità e umanità. Attraverso queste metafore, Ginsberg indaga come le trasformazioni corporali possano essere un potente strumento per esprimere la stranezza.
2 - Resistenza
Un altro poeta che ha usato metafore corporee per esplorare la trasformazione dell'identità e della resistenza è June Jordan. Nel suo poema «Poema per le donne sudafricane», descrive come le donne usano il loro corpo come arma contro i regimi dispotici. Lei scrive: «Donne, vi invito a rendere i vostri corpi un'armatura/abbandonare tutte le violenze commesse contro di noi», sottolineando il potere del corpo di difendersi. Queste immagini mostrano come le donne debbano prendere il controllo del proprio corpo per contrastare i sistemi patriarcali. La poesia continua con «Voglio che i miei occhi diventino spade/Voglio che il mio seno diventi scudo», suggerendo che le donne abbiano influenza sulle loro forme fisiche.
Jordan parla anche di come le donne debbano ripensarsi attraverso il loro corpo: «Non ho paura di essere piccola o nera o femminile/non ho paura perché so di cosa sono capace». Usando la metafora del corpo, Jordan sfida le concezioni tradizionali di femminilità e femminilità. Esorta le donne ad accettare le loro differenze e usarle come forza invece di debolezza. Questo potenziamento permette loro di contrastare l'oppressione in vari modi, tra cui l'azione politica, l'espressione e la creazione di una comunità. Il lavoro di Jordan dimostra come le metafore corporee possano creare uno spazio di resistenza e liberazione nell'arte queer.
3 - Liberation
L'artista performer Lee Bowery ha usato il suo corpo come strumento per esplorare identità e liberazione. Era famoso per aver indossato dei costumi complessi che hanno spinto i confini e sfidato le norme comunitarie. In uno spettacolo indossava un vestito di carne che era allo stesso tempo provocatorio e sconvolgente. Ha minato i ruoli di genere, sfidando i tradizionali concetti di mascolinità e femminilità. Bowery pensava che, allargando i confini al suo corpo, potesse sfidare lo status quo e liberarsi dalle aspettative sociali. Il suo lavoro mostra come il corpo possa essere il luogo dell'espressione radicale e del cambiamento.
Alcuni critici sostengono che questo tipo di espressione sia limitata al suo supporto al corpo. Suggeriscono che questo rafforza, non distrugge i sistemi binari di potere.
Il lavoro di Bowery spesso ha sessualizzato la forma maschile, suggerendo che ci sono dei limiti per quanto può andare in termini di liberazione di se stesso.
Alcuni sostengono che le trasformazioni corporee siano così lontane solo nella creazione di un vero e proprio rilascio, perché dipendono ancora dalla corporatura e dall'oggettività.
Il lavoro di Bowery apre infatti importanti conversazioni sulla relazione tra identità e incarnazione, dimostrando come le metafore corporee possano essere strumenti potenti per esprimere la stranezza.
Come gli artisti queer usano le metafore del corpo per esplorare la trasformazione dell'identità, la resistenza e la liberazione, e quali sono le conseguenze filosofiche di questa pratica?
Gli artisti Quir usano spesso metafore del corpo per esplorare la trasformazione dell'identità, la resistenza e la liberazione, perché vogliono sfidare le tradizionali idee sui ruoli di genere e le norme sociali. Usando il proprio corpo come quadro per esplorare queste idee, sono in grado di creare opere che incoraggiano gli spettatori a riflettere sul modo in cui la società considera il sesso e la sessualità. Queste metafore possono assumere diverse forme, tra cui performance, scultura, pittura e fotografia.