Emploi historique de l'iconographie queer
Au cours de l'histoire, de nombreux artistes ont utilisé l'iconographie queer pour défier les structures culturelles, artistiques et politiques traditionnelles. On peut le voir dans des œuvres comme « L'Homme Vitruvien » de Léonard de Vinci, qui représente un homme nu embrassant une autre figure masculine, et qui a été interprété comme un symbole de l'amour homoérotique. En outre, David Michelangelo Buonarroti représente un héros adulte qui est nu et expose ses organes génitaux en contestant les conventions de la virilité et des rôles de genre. La renaissance a été l'époque où ces idées ont été popularisées, ce qui a conduit à de nouvelles façons de penser la sexualité et l'identité.
À l'époque des Lumières, l'iconographie queer est devenue plus répandue dans la littérature. La pièce de William Shakespeare « La douzième nuit » représente un personnage bisexuel nommé Viola qui se déguise en homme pour accéder au pouvoir et à la mobilité sociale. Le roman de Jane Austen « Sens et sensibilité » explore également les relations homosexuelles entre les femmes à travers les personnages de Marianne Dashwood et Elinor Dashwood. Ces travaux ont contribué à normaliser les identités non hétérosexuelles et les ont rendues plus acceptables pour la société dans son ensemble.
À l'ère moderne, la renaissance de Harlem a connu une explosion de la créativité parmi les écrivains et artistes afro-américains qui ont cherché à exprimer leur expérience à travers de nouveaux environnements tels que la poésie, la peinture, la sculpture et la musique. Ce sont des personnages comme Langston Hughes, Zora Neil Herston et Alain Locke qui ont tous écrit sur des sujets étranges comme l'homophobie, le racisme et le travail sexuel. Leurs œuvres remettaient en question les conceptions traditionnelles de ce qu'est la noirceur, ainsi que l'étrangeté.
Le monde de l'art moderne a vu de nombreux exemples d'iconographie queer utilisée pour contester les structures réglementaires. « Le diptyque de Marilyn » d'Andy Warhol, dans lequel Marilyn Monroe est représentée à la fois par un homme et une femme, sape l'idée que le sexe est fixe ou binaire. Les autoportraits de Frida Kahlo représentent souvent son corps nu avec une sexualité exagérée qui s'oppose aux idées autour de la féminité et du désir sexuel. L'installation de Damien Hearst « Au nom de l'amour de Dieu » est un crâne humain incrusté de diamants et de platine, remettant en question les concepts traditionnels de beauté et de valeur.
L'iconographie queer a été utilisée par différents types d'artistes au cours de l'histoire pour s'opposer aux normes sociales relatives au sexe, à la sexualité, à l'intimité et aux relations. Il continue d'être un outil puissant pour exprimer l'identité, l'influence et la résistance dans l'art.
Comment les artistes ont-ils historiquement utilisé l'iconographie queer pour saper le cadre normatif culturel, esthétique et politique ?
L'art queer est un genre d'art visuel qui défie les conceptions traditionnelles du champ, de la sexualité et de l'identité en explorant des points de vue anormaux sur ces concepts. Historiquement, les artistes queer ont utilisé leur travail comme une plate-forme pour disséminer les récits culturels dominants et mettre en évidence d'autres modes d'expression.