Queer Art est un terme générique pour les œuvres créatives qui explorent l'identité de genre, l'orientation sexuelle et l'expérience LGBTQ +. Il récuse les normes traditionnelles et chante diverses manifestations de la sexualité. Les artistes queer cherchent à briser les barrières et à créer de nouvelles formes d'expression inclusives et représentatives de toutes les identités. Par leur travail, ils sapent les récits dominants sur la beauté, la normalité et l'acceptation, élargissant les frontières et explorant de nouvelles possibilités dans le milieu. Cet essai examine comment l'art queer remet en question les hiérarchies établies du goût esthétique et de la légitimité culturelle à travers son approche unique de la représentation visuelle, de l'exécution, de la matérialité et de la contextualisation.
Représentation visuelle
L'une des façons dont l'art queer remet en question les hiérarchies établies du goût esthétique et de la légitimité culturelle est sa représentation visuelle. Le canon traditionnel de l'histoire de l'art occidental a souvent exclu les corps et les identités incohérents, donnant l'avantage aux perspectives et aux présentations masculines blanches.
Cependant, les artistes queer ont cherché à briser ce statu quo en créant des œuvres qui ne cèdent pas aux attentes et défient les normes de beauté généralement acceptées. Ils rejettent les différences binaires entre les hommes et les femmes et redéfinissent ce qui constitue un beau corps.
Par exemple, la série « Sans nom » de Felix González-Torres présente deux hommes qui s'embrassent dans des photos qui brisent les tabous qui entourent l'intimité des hommes et explorent les complexes de l'amour et du désir. De même, les sculptures d'Hanna Wilke, comme Golden Gate, représentent les corps des femmes nues sous des formes provocatrices et ludiques, sapant les idéaux hétéronormatifs de la sexualité et de la forme féminine.
Performance
L'art queer défie également les hiérarchies grâce à l'utilisation de la performance. Les discours peuvent être des déclarations politiques ou simplement des expressions identitaires festives, mais ils créent toujours un espace pour que le public témoigne et s'intéresse à de nouveaux points de vue sur le sexe et la sexualité.
Par exemple, le spectacle « Cut Piece » de 1964 de Yoko Ono comprenait son siège en silence, tandis qu'un membre du public coupait des morceaux de ses vêtements, réfléchissant à la dynamique du pouvoir dans les interactions sociales et critiquant les normes sexistes autour du corps féminin. Au contraire, dans les comédies « Les sacs à main de la dynastie », le drag est étudié comme un moyen de démêler les idées traditionnelles sur la féminité et de repousser les frontières au sein du genre. En tant que personnages féminins et hypermasculinaires, elle remet en question les binaires et invite les téléspectateurs à remettre en question leurs propres hypothèses sur la représentation du sexe.
Matérialité
Une autre façon dont l'art queer récuse les hiérarchies établies est sa matérialité. Les matériaux artistiques traditionnels ont souvent été associés à des sociétés de haut niveau et à un patronage d'élite, à l'exclusion de ceux qui ne correspondent pas à ces catégories. Les artistes queer ont cherché à redéfinir ce qui constitue un art précieux en utilisant des objets et des médias quotidiens tels que les matériaux trouvés, les éphémères et les technologies numériques.
Par exemple, l'installation de Jesse Jones « Nous sommes tous là ensemble » utilise des coupures de journaux, des photos et des enregistrements audio pour documenter la vie et les expériences des personnes LGBTQ +, les rendre visibles dans la culture de base. De même, les sculptures de Cassilov utilisent le corps humain comme support, explorant les problèmes liés à l'identité de genre et à l'expression de soi.
Contextualisation
L'art queer récuse aussi la légitimité culturelle par sa contextualisation. Les historiens de l'art et les critiques préfèrent souvent les œuvres créées par les hommes blancs, limitant l'accès à d'autres perspectives et marginalisant les voix non traditionnelles.Les artistes queer cherchent à briser ce statu quo en plaçant leurs œuvres dans de nouveaux contextes et en attirant l'attention sur des histoires oubliées.
Par exemple, la théorie de la performance de Judith Butler a façonné la façon dont nous comprenons le genre comme une construction sociale, tandis que les affiches et les discours d'ACT UP ont redéfini l'activisme et la protestation comme des formes d'expression artistique. En créant un nouveau cadre pour comprendre la sexualité et le genre, les artistes queer défient les récits dominants et élargissent notre conception de ce qui est considéré comme un art et une culture légitimes.
En conclusion, l'art queer remet en question les hiérarchies établies du goût esthétique et de la légitimité culturelle en sapant les normes traditionnelles, en explorant les différentes identités et en remettant en question les attentes liées à la beauté, à la normalité et à l'acceptation. Grâce à la représentation visuelle, à la performance, à la matérialité et à la contextualisation, les artistes queer créent de nouveaux espaces de visibilité et d'autonomisation, repoussant les limites et élargissant les possibilités à l'intérieur du champ. Leur travail démontre que l'art peut être un puissant instrument de changement social et de résistance politique, créant une société plus inclusive et plus juste pour tous.
Comment l'art queer remet-il en question les hiérarchies établies du goût esthétique et de la légitimité culturelle ?
Queer art challenges established hierarchies of aesthetic taste and cultural legilitivity by subverting traditional representations of gender roles and sexual identities that are often tired to heteronormative expectations, experiments, and perspectives that been distalized or erterness culture.