Erotische Soundtracks in Performance-Filmen In den 1970er Jahren entstanden Performance-Filme mit dem Ziel, das Publikum mit schockierendem, sensationellem oder transgressivem Material zu verunglimpfen, das oft grafische Gewalt, unentgeltliche Nacktheit und sexuelle Themen beinhaltet. Das Genre war berüchtigt für seine Low-Budget-Produktionswerte, grobe Erzählung und einen Mangel an sozialer Relevanz, aber es gelang immer noch, treue Fans unter den erwachsenen Zuschauern zu gewinnen, die diese Filme für ihre Tabuthemen suchten. Ein Aspekt, der wesentlich zur Attraktivität des Verwertungskinos beitrug, war sein Sounddesign, das eine wesentliche Rolle bei der Schaffung eines erhöhten Gefühls für Erotik und Spannung in jedem Film spielte. Dieser Artikel wird untersuchen, wie Soundeffekte, Musiksignale und Dialoge verwendet wurden, um Stimmung zu erzeugen und die Reaktion des Publikums während einiger der schändlichsten Ausbeutungsstreifen dieser Ära zu manipulieren.
Der erste erotische Soundtrack, der in ausbeuterischen Filmen verwendet wurde, erschien in dem bahnbrechenden Horrorfilm Blutsaugende Freaks (1976) von Joel M. Reed. Der Film folgt einem verrückten Zirkusbesitzer namens Sardou, der schöne junge Frauen entführt, um sie zu foltern und zu experimentieren, indem er ihre Körperteile als Requisiten für seine seltsamen sexuellen Handlungen mit seinem Bruder Ralph verwendet. Der Soundtrack wurde von dem berühmten Avantgarde-Komponisten Louis und John komponiert und enthielt gruselige, dissonante Akkorde, unterbrochen von plötzlichen Ausbrüchen von basslastigen Synthesizer-Riffs und Perkussion. Der Effekt war verstörend und nervenaufreibend und zog den Betrachter in die Welt der verdorbenen Charaktere des Films, während er auf einen dunkleren Unterwasserstrom psychosexueller Spannung hinwies. Andere Filme folgten schnell und schlossen ähnliche Techniken ein, um ihren Schockwert zu erhöhen. In Ich spucke auf dein Grab (1978) verwendete Regisseur Meir Zarci eine Mischung aus Synthesizern und akustischen Instrumenten, um die grafischen Vergewaltigungsszenen zwischen Jennifer Hill und ihren Angreifern hervorzuheben. Zarchi konzentrierte sich auf die körperlichen Empfindungen der Opfer und nicht auf die Brutalität der Gewalt selbst und schuf eine Atmosphäre intensiver Sexualität, die das Publikum unsicher machte. Mitte der 1970er Jahre begannen die Verwertungsregisseure, das Potenzial des Sounddesigns als narratives Gerät voll zu erkennen. In David Cronenbergs „Crash" (1996) etwa, der die sexuelle Fetischisierung von Autounfällen untersucht, dominieren pulsierende Basslinien und flüsternder Gesang den Soundtrack. Dies schafft ein Gefühl der Nähe zwischen dem Publikum und den Protagonisten, die sich zueinander hingezogen fühlen, weil sie beide eine gefährliche Obsession teilen. In ähnlicher Weise verwendete Regisseur Roger Watkins in The Last House in a Dead End Street (1973) eine Reihe von Umgebungsgeräuschen - wie Stöhnen und Seufzen -, um eine Stimmung unerbittlicher Spannung und Angst zu erzeugen. Diese Klänge sollten ein Gefühl der Falle im Albtraum eines anderen hervorrufen und das Publikum dazu bringen, sich mit den Emotionen und Wünschen der Charaktere zu identifizieren. So wurde der Klang zu einem Schlüsselelement bei der Manipulation der Reaktion des Publikums, indem er sie in die Welt des Films zog und sie an seinen düsteren Fantasien teilhaben ließ. Abschließend haben erotische Soundtracks eine entscheidende Rolle im ausbeuterischen Kino der 1970er Jahre gespielt, den Horror und die Titillation dieser Filme verstärkt und gleichzeitig eine tiefere Verbindung zwischen Publikum und Charakteren auf der Leinwand geschaffen. Mit musikalischen Signalen und Effekten, um die Sinnlichkeit und Gefahr jeder Szene zu erhöhen, haben diese Filme Grenzen überschritten, die das Mainstream-Hollywood niemals zu berühren gewagt hätte, um ein ganzes Genre des transgressiven Kinos zu definieren.Obwohl viele Menschen Performance-Filme als störend oder beleidigend empfanden, ist ihr Einfluss nicht zu leugnen: Diese Filme sind aufgrund ihrer Bereitschaft, Tabuthemen zu erforschen, und ihrer Fähigkeit, das Publikum durch den innovativen Einsatz von Sounddesign herauszufordern, zu Kultklassikern geworden.