Związek między sztuką performatywną a ciałem od końca XX wieku był źródłem fascynacji dla artystów, krytyków, naukowców i odbiorców. Sztuka performatywna jest często rozumiana jako próba stworzenia fizycznej manifestacji idei trudnych do wyrażenia za pomocą tradycyjnych mediów, takich jak malarstwo czy rzeźba. Polega ona na tym, że artysta używa własnego ciała jako środka do przekazania wiadomości lub koncepcji. Ten artykuł bada, czy sztuka performance może odzyskać ciało jako locus politycznej i metafizycznej wolności, szczególnie w odniesieniu do teorii feministycznej i tańca współczesnego.
Sztuka Performance pojawiła się w latach sześćdziesiątych jako rozszerzenie awangardowego ruchu, który starał się kwestionować tradycyjne formy sztuki i tworzyć nowe sposoby wyrażania idei. Ideą spektaklu było przeniesienie dzieła na obecną chwilę i uczynienie go bardziej dostępnym dla publiczności. Artyści tacy jak Yoko Ono i Karoli Schneemann wykorzystywali swoje ciała jako płótna do badania tematów płci i seksualności. Popełnili wtedy szokujące i tabu akty, w tym ekspozycję i samookaleczenie. Występy te zakwestionowały tradycyjne pojęcia, co to znaczy być kobietą i zlikwidować bariery wokół cenzury.
Teoria feministyczna od dawna twierdzi, że ciało jest upolitycznione i poddawane uciskowi w oparciu o swoją tożsamość płciową. W tym kontekście sztuka performatywna zapewnia przestrzeń, w której kobiety mogą odzyskać swoje ciała i zdobyć nad nimi władzę. Wykonując akty podważające normy patriarchalne, wykonawcy mogą odzyskać moc, której odmówiono w innych aspektach życia. Na przykład praca Judith Butler na temat sprawności płci sugeruje, że płeć jest zbudowana raczej poprzez zdefiniowane społecznie zachowania niż biologię. Twierdzi, że ciągle tworzymy siebie poprzez nasze działania i interakcje z innymi. Sztuka Performance pozwala nam zobaczyć siebie poza tymi konstrukcjami i przemyśleć, czym możemy się stać.
Współcześni tancerze wykorzystują swoje ciała również do badania politycznych kwestii związanych z płcią i seksualnością. Praca choreografa Crystal Pite „The Examiner" bada koncepcję zgody i jej związek z dynamiką władzy między mężczyznami a kobietami. Poprzez swoją choreografię wyobraża sobie świat, w którym kobiety przejmują kontrolę nad własnymi narracjami i decydują, kiedy i jak będą wyrażać się seksualnie. Tego rodzaju praca jest rewolucyjna, ponieważ pozwala kobietom kwestionować status quo, nie będąc za to ocenianym.
Podsumowując, sztuka performance była ważnym narzędziem dla feministek i tancerek współczesnych do poznawania idei dotyczących płci i seksualności. Daje artystom swobodę tworzenia dzieł, które przesuwają granice i podważają normy społeczne. Spektakle, które rzucają wyzwanie tradycyjnym pomysłom na płeć, pozwalają widzom widzieć się inaczej i otwierać nowe możliwości wyrażania siebie. Wydajność można zatem postrzegać jako środek odzyskiwania ciała jako miejsca wolności politycznej i metafizycznej.
Czy wydajność może przywrócić ciało jako miejsce wolności politycznej i metafizycznej?
Koncepcja wykonania była używana przez artystów od czasów starożytnych do wyrażania siebie i swoich pomysłów na różne zagadnienia. Można twierdzić, że sztuka performance jest skutecznym narzędziem uwalniania zarówno ciała, jak i umysłu od ograniczeń społecznych, które często prowadzą do ucisku i dyskryminacji. Sztuka Performance pozwala ludziom kwestionować tradycyjne normy i roztrzaskać uprzednie pojęcia, co to znaczy być człowiekiem.