Les relations entre l'art de la performance et le corps ont été une source de charme pour les artistes, les critiques, les scientifiques et le public depuis la fin du 20ème siècle. L'art de la performance est souvent compris comme une tentative de créer une manifestation physique d'idées difficiles à exprimer à l'aide de médiums traditionnels tels que la peinture ou la sculpture. Elle implique que l'artiste utilise son propre corps comme moyen de transmettre un message ou un concept. Cet article examine si la performance peut rendre le corps comme un locus de liberté politique et métaphysique, en particulier en ce qui concerne la théorie féministe et la danse moderne.
L'art de la performance est apparu dans les années 1960 comme une continuation d'un mouvement d'avant-garde qui cherchait à défier les formes traditionnelles de l'art et à créer de nouvelles façons d'exprimer les idées. L'idée de la performance était de déplacer la décoration artistique et de la rendre plus accessible au public. Des artistes comme Yoko Ono et Karoli Schneemann ont utilisé leur corps comme toile pour explorer les thèmes du sexe et de la sexualité. Ils ont commis des actes choquants et tabous à l'époque, y compris l'exposition et l'enrôlement. Ces discours ont remis en question les idées traditionnelles sur ce que signifie être une femme et ont brisé les barrières autour de la censure.
La théorie féministe a longtemps affirmé que le corps est politisé et soumis à l'oppression basée sur son identité de genre. Dans ce contexte, l'art de la performance offre un espace où les femmes peuvent récupérer leurs corps et affirmer leur pouvoir sur eux. En accomplissant des actions qui sapent les normes patriarcales, les exécutants peuvent reprendre le pouvoir qui leur a été refusé dans d'autres aspects de la vie.
Par exemple, le travail de Judith Butler sur la performance du genre suggère que le genre est construit par le biais d'un comportement socialement défini plutôt que par la biologie. Elle affirme que nous nous créons constamment par nos actions et nos interactions avec les autres. L'art de la performance nous permet de nous voir en dehors de ces constructions et de repenser ce que nous pourrions devenir.
Les danseurs modernes utilisent également leur corps pour explorer les questions politiques liées au sexe et à la sexualité. Le travail de la chorégraphe Crystal Pete « Le vérificateur » explore le concept de consentement et la façon dont il est lié à la dynamique du pouvoir entre les hommes et les femmes. Grâce à sa chorégraphie, elle représente un monde où les femmes prennent le contrôle de leurs propres histoires et décident quand et comment elles s'exprimeront sexuellement. Ce type de travail est révolutionnaire car il permet aux femmes de contester le statu quo sans être condamnées pour cela.
En conclusion, l'art de la performance a été un outil important pour les féministes et les danseuses modernes pour explorer les idées sur le champ et la sexualité. Il donne aux artistes la liberté de créer des œuvres qui repoussent les limites et remettent en question les normes sociales. Les spectacles qui remettent en question les conceptions traditionnelles du champ permettent au public de se voir différemment et ouvrent de nouvelles possibilités de s'exprimer. La performance peut donc être considérée comme un moyen de retour du corps comme un locus de liberté politique et métaphysique.
La performance peut-elle rendre le corps comme un locus de liberté politique et métaphysique ?
Le concept de performance est utilisé par les artistes depuis les temps anciens pour exprimer eux-mêmes et leurs idées sur diverses questions. On peut dire que l'art de la performance est un outil efficace pour libérer le corps et l'esprit des contraintes sociales qui conduisent souvent à l'oppression et à la discrimination. L'art de la performance permet aux gens de défier les normes traditionnelles et de détruire les idées préconçues sur ce que signifie être humain.