W jaki sposób fotografowie queer i artyści wizualni w dwudziestym wieku mogą nawigować napięcie między innowacyjnością estetyczną a propagandą polityczną i jakie są konsekwencje dla praktyki sztuki współczesnej?
Twórcy queer i fotografowie w całej historii mieli za zadanie nawigację napięcia między tworzeniem dzieł, które artystycznie pchają granice, a także mówienie o zagadnieniach społecznych, takich jak tożsamość płciowa, orientacja seksualna i rasa. Twórcy ci muszą zrównoważyć swoje pragnienie tworzenia oryginalnych i prowokujących do myślenia dzieł z potrzebą bycia wysłuchanym politycznie. Często spotykają się z odwagą obu stron za ich wybory, ale nadal produkują niektóre z najważniejszych dzieł sztuki dzisiaj. Ma to wpływ na obecne i przyszłe pokolenia queer artystów, którzy muszą znaleźć sposoby, aby wyrazić się bez naruszania żadnego aspektu ich pracy.
Na początku XX wieku w społeczności LGBTQ + działało wiele ruchów, w tym wyzwolenie gejów, prawa kobiet i ruch na rzecz praw obywatelskich. Wiele osób uważało, że grupy te są zbyt podobne, a nawet wymienne, ale nie zawsze było to prawdą. Zamieszki w Stonewall w 1969 roku wywołały nową falę aktywizmu wśród gejów i lesbijek, którzy chcieli walczyć z brutalnością policji i dyskryminacją homoseksualistów. W odpowiedzi niektórzy dziwni ludzie zaczęli badać swoją tożsamość za pomocą fotografii, malarstwa, rzeźby, sztuki instalacyjnej i innych form ekspresji wizualnej. Jednym z przykładów jest Andy Warhol, którego jedwabne portrety zawierały słynne drag queens, takie jak Candy Darling. Innym przykładem jest Robert Mapplethorpe, którego czarno-białe zdjęcia rejestrują piękno i zmysłowość jego przyjaciół, kochanków i siebie. Obaj artyści zakwestionowali konwencje na temat tego, co znaczy być mężczyzną lub kobietą, przedstawiając w sposób nieapologetyczny zagadnienia związane z płcią. Ich praca stała się kultowym symbolem dumy dla tych, którzy szukają uznania w czasie, gdy szalała homofobia.
Epidemia HIV/AIDS zwróciła uwagę na kwestie zdrowia seksualnego, przed którymi stoją zmarginalizowane społeczności. Twórcy queer, tacy jak David Wojnarowicz i Felix González-Torres, wykorzystali swoją twórczość, aby zwrócić uwagę na te tematy, a także artystycznie pchając granice takimi kawałkami jak „Untitled (Floating Worlds)" i „Untitled (Light Projector)". Łącząc piękne obrazy z oświadczeniami politycznymi, pomogły one stworzyć dialog wokół ważnych kwestii społecznych bez kompromisu na żadnym z frontów.
Kiedy przechodzą do XXI wieku, twórcy queer nadal równoważą kreatywność i aktywizm na różne sposoby.
Zanele Muholi wykorzystuje portret do udokumentowania życia transseksualnych kobiet w RPA, które stoją w obliczu dyskryminacji ze względu na tożsamość płciową. Jej praca chwyta intymne chwile między osobowościami, które są często ostracized przez społeczeństwo. Te potężne obrazy zwracają uwagę na łamanie praw człowieka na całym świecie, ale nadal wizualnie przesuwają granice z odważnymi kolorami, kształtami, teksturami i metodami kompozycji.
Inni współcześni artyści, tacy jak Tracy Emin i Mikalin Thomas, zmienili się w abstrakcyjne formy, które podważają postrzeganie seksualności przez widzów. Ich praca bada tematy takie jak miłość, pragnienie, utrata i smutek z kolorowymi obrazami lub rzeźbami, które nie zawsze pasują do tradycyjnych kategorii, takich jak męskie lub żeńskie części ciała. W ten sposób pokazują one, jak płeć płciowa może być i zachęcają nas do ponownego zastanowienia się nad naszymi założeniami co to znaczy być człowiekiem.
Twórcy queer w całej historii przezwyciężyli te napięcia produkując upolitycznione, ale innowacyjne dzieła, które wyzwają normy w społeczeństwie w ogóle, wypowiadając się przeciwko uciskowi, przed którym stoją ich społeczności. Ci ludzie inspirują nas dzisiaj, ponieważ uczą nas, że sztuka ma moc - może zmienić umysł i serce, nawet jeśli nie pasuje idealnie do oczekiwań czy konwencji.
W jaki sposób fotografowie queer i artyści wizualni w dwudziestym wieku przezwyciężają napięcie między innowacyjnością estetyczną a propagandą polityczną i jakie to ma konsekwencje dla praktyki sztuki współczesnej?
W całej historii zmarginalizowane grupy często wykorzystywały sztukę jako formę ekspresji i protestu przeciwko dyskryminacji i uciskowi. W przypadku twórców queer w XX wieku wiele osób zmagało się z presją zarówno ze strony głównego nurtu społeczeństwa, jak i własnych społeczności, aby dostosować się do tradycyjnych ról płci i norm seksualnych. Stanowiło to dla nich wyjątkowe wyzwanie, jeśli chodzi o tworzenie sztuki, która odzwierciedlała ich doświadczenia i tożsamości, jednocześnie odwołując się do szerszej publiczności.