Queer to praktyka artystyczna, która rozwinęła się obok ruchów LGBTQ + sprawiedliwości społecznej od początku XX wieku. Twórcy queer wykorzystali kino do tworzenia unikalnych wizualnych opowieści o swoich osobowościach i pragnieniach poprzez innowacyjne metody, takie jak wykorzystanie symbolicznego obrazu, surrealizmu i nieliniowego opowiadania historii. Ten esej bada, jak filmowcy queer używają dźwięku, koloru i oprawy, aby przekazać doświadczenia marginalizacji, pragnienia i oporu w filmowych narracji.
Jeśli chodzi o dźwięk, wiele filmów queer wykorzystuje muzykę do podkreślenia momentów romansu, atrakcji i pragnienia między postaciami z różnych grup społecznych.
W „Mildred Pierce" Todda Haynesa tytułowy bohater wykonuje piosenkę „Mogliśmy być kimkolwiek chcieliśmy być" podczas gapienia się na jego kochanka przez zatłoczony pokój podczas sceny ustawionej na imprezie. Pieśń ta działa jako metafora niemożności osiągnięcia prawdziwej wolności i równości w heteronormatywnym społeczeństwie, gdzie miłość i uczucia są często negowane na podstawie orientacji seksualnej lub tożsamości płciowej. Podobnie, w piosence Gregga Araki „Nigdzie", bohater przerywa się w numer muzyczny o nazwie „Suck My Love", który wyraża swoje pragnienie, że męski przyjaciel nigdy nie odwzajemnia tych uczuć ze względu na normy kulturowe przeciwko homoseksualizmowi. Podkreślając te potężne emocje z tekstami i melodią, twórcy queer przekazują walkę o akceptację pomimo presji publicznej.
Kolory odgrywają również ważną rolę w przekazywaniu emocji w filmach queer. W filmie Pedro Almodovara „Kobiety na krawędzi załamania nerwowego" główną postacią jest jasnoczerwona sukienka, która symbolizuje jej niekontrolowaną pasję i pragnienia dla mężczyzny, którego właśnie spotkała, ale nie może mieć z powodu różnic wieku. Zastosowanie jasnych kolorów filmu, takich jak różowy, pomarańczowy i zielony, dodatkowo podkreśla tematy kobiecości, zmysłowości i buntu. Z drugiej strony, w Gus Van Sant „My Own Private Idaho", wiele scen odbywa się w ciemnych i ponurych środowiskach, aby wywołać uczucia samotności, izolacji i strachu odczuwanego przez zmarginalizowanych ludzi, którzy mogą nie czuć się bezpiecznie, aby wyrazić się otwarcie w miejscach publicznych. Te zmiany w kolorowym tonie tworzą napięcie między postaciami, podkreślając surową rzeczywistość, przed którą stoją osoby LGBTQ + żyjące w ciemiężonym świecie.
Techniki ramowe mogą być również wykorzystywane do przekazywania doświadczeń marginalizacji w queer filmowych narracji.
Cheryl Danier w Watermelon Kobieta pokazuje częste zbliżenia twarzy prowadzącego bohatera podczas intymnych chwil, aby zwrócić uwagę na jej unikalne cechy fizyczne i osobiste zmagania. Ta technika tworzy poczucie wrażliwości i intymności między publicznością a bohaterem, co pozwala na lepsze empatię i zrozumienie podziałów społecznych. Natomiast w „Shortbusie" Johna Camerona Mitchella wiele sekwencji pokazuje postacie uprawiające seks lub angażujące się w akty seksualne bez oderwania się od ciała, aby utrzymać skupienie widza na swoich wyrażeniach, emocjach i wzajemnych interakcjach. Przedstawiając w ten sposób seksualność queer, Mitchell kwestionuje tradycyjne normy dotyczące traktowania erotyzmu i pragnienia oraz zachęca do przyjmowania alternatywnych form przyjemności. Filmowcy Queer używają dźwięku, koloru i oprawy, aby przekazać doświadczenia marginalizacji, pragnienia i oporu w filmowych narracjach. Poprzez symboliczne obrazy, surrealizm, nieliniowe opowieści, melodie liryczne, żywe kolory i unikalne techniki oprawy, artyści ci starają się kwestionować normy społeczne dotyczące tożsamości płciowej, orientacji seksualnej i relacji poprzez twórczą ekspresję.
Jak filmowcy queer używają dźwięku, koloru i oprawy, aby przekazać doświadczenia marginalizacji, pragnienia i oporu w filmowych narracji?
Grupy Fringe zostały historycznie wyłączone z głównego nurtu kinematografii, ale wraz z powstaniem niezależnych filmów, społeczności te znalazły większą reprezentację poprzez techniki opowiadania wizualnego, takie jak dźwięk, kolor i ramki. Twórcy queer często używają tych narzędzi do kwestionowania dominujących opowieści o seksualności, płci i tożsamości, rozbijając tradycyjne konwencje i badając złożone skrzyżowania tożsamości osobistej, kulturowej i politycznej.