La produzione cinematografica di Quir è una pratica artistica che si è sviluppata con i movimenti LGBT-TQ + per la giustizia sociale dall'inizio del ventesimo secolo. Gli artisti Quir hanno usato il cinema per creare narrazioni visive uniche sulle loro personalità e desideri attraverso tecniche innovative, come l'uso di immagini simboliche, il surrealismo e la narrazione non lineare. Questo saggio descrive come i creatori di film queer usano il suono, il colore e l'incorniciamento per trasmettere esperienze di marginalizzazione, desiderio e resistenza nelle narrazioni cinematografiche.
Dal punto di vista del suono, molti film queer usano la musica per sottolineare momenti di romanticismo, attrazione e desiderio tra personaggi di diversi gruppi sociali.
Nel film «Mildred Pierce» di Todd Haynes, il protagonista canta «We Could Have Been Anything We Wanted To Be» mentre guarda da vicino il suo amante attraverso una stanza affollata durante una scena montata alla festa. Questa canzone è una metafora dell'impossibilità di raggiungere la vera libertà e l'uguaglianza in una società eteronormativa, dove l'amore e l'affetto sono spesso negati in base all'orientamento sessuale o all'identità di genere. Allo stesso modo, nella canzone «Nowhere» di Gregg Araki, il personaggio entra in un numero musicale intitolato «Suck My Love», in cui si esprime il suo desiderio che un amico maschio che conosce non risponda mai a questi sentimenti a causa delle norme culturali contro l'omosessualità. Evidenziando queste potenti emozioni con la lirica e la melodia, i creatori di film queer trasmettono la lotta per trovare riconoscimento, nonostante la pressione sociale.
I colori giocano anche un ruolo importante nella trasmissione delle emozioni nei film in quir. Nel film di Pedro Almodovar, «Donne sull'orlo di una crisi di nervi», la protagonista è un vestito rosso brillante che simboleggia la sua passione incontrollata e i suoi desideri nei confronti di un uomo che ha appena incontrato, ma che non può avere a causa della differenza di età. L'uso di colori brillanti come rosa, arancione e verde nel film sottolinea ulteriormente i temi della femminilità, della sensualità e della ribellione. D'altra parte, nel film «Il mio Idaho privato» di Gus Van Sant, molte scene si svolgono in un ambiente oscuro e oscuro, per suscitare la solitudine, l'isolamento e la paura di persone marginali che potrebbero non sentirsi al sicuro per esprimersi apertamente nei luoghi pubblici. Questi cambiamenti di colore creano tensioni tra i personaggi, sottolineando la dura realtà che affrontano le persone LGBT + che vivono in un mondo oppressivo.
I metodi di incorniciatura possono essere utilizzati anche per trasmettere l'esperienza di marginalizzazione nelle narrazioni cinematografiche.
Cheryl Danier in «The Angerty Woman» mostra i frequenti grandi piani del viso del personaggio leader durante i momenti intimi per attirare l'attenzione sui suoi attributi fisici e le sue lotte personali. Questa tecnica crea un senso di vulnerabilità e vicinanza tra il pubblico e il promotore, che permette una migliore compassione e comprensione delle divergenze sociali. A differenza di questo, in Shortbus di John Cameron Mitchell, molte sequenze mostrano personaggi che fanno sesso o che entrano in atti sessuali senza allontanarsi dal loro corpo per mantenere il focus dello spettatore sulle loro espressioni, emozioni e interazioni. Immaginando la sessualità quir, Mitchell sfida le norme tradizionali sul modo in cui trattiamo l'erotismo e il desiderio e incoraggia l'adozione di forme alternative di piacere.
I quiniores usano il suono, il colore e l'incorniciatura per trasmettere esperienze di marginalizzazione, desiderio e resistenza nelle narrazioni cinematografiche.Attraverso immagini simboliche, surrealismo, narrazione non lineare, melodie liriche, colori luminosi e tecniche di incorniciamento uniche, questi artisti cercano di sfidare le norme sociali sull'identità di genere, l'orientamento sessuale e le relazioni attraverso l'espressione creativa.
In che modo i creatori di film queer usano il suono, il colore e il ritaglio per trasmettere esperienze di emarginazione, desiderio e resistenza nelle narrazioni cinematografiche?
Gruppi marginali sono stati storicamente esclusi dal cinema principale, ma con la crescita dei film indipendenti, queste comunità hanno trovato una visione maggiore attraverso metodi visivi di narrazione, come il suono, il colore e il ritaglio. I produttori di film queer spesso usano questi strumenti per sfidare le narrazioni dominanti sulla sessualità, il campo e l'identità, distruggendo le convenzioni tradizionali e esplorando le complesse intersezioni tra identità personali, culturali e politiche.