Queer映画製作は、20世紀初頭からLGBTQ+社会正義運動と並んで発展してきた芸術的実践です。クィアのアーティストは、象徴的なイメージの使用、シュルレアリスム、非線形のストーリーテリングなどの革新的な方法を通じて、彼らの個性と欲望についてのユニークな視覚的な物語を作成するために映画を使用してきました。このエッセイでは、クィア・フィルムメーカーが音、色、フレームをどのように使用して、映画の物語における疎外化、欲望、抵抗の経験を伝えているかを探求します。
音の面では、多くのクィア映画は、ロマンスの瞬間を強調するために音楽を使用します、異なる社会的グループからのキャラクター間の魅力と欲望。
トッド・ヘインズのMildred Pierceでは、タイトルキャラクターが「We Could Have Been Anything We Want To We We Want To Be」という曲を演奏し、パーティーのシーンで混雑した部屋の向こうで彼の恋人を見つめている。この曲は、性的指向やジェンダーのアイデンティティに基づいて愛と愛情がしばしば否定される異常な社会において、真の自由と平等を達成することが不可能であるという比喩として機能します。同様に、グレッグ・アラキの曲「Nowhere」では、キャラクターは「Suck My Love」と呼ばれる音楽番号に侵入し、同性愛に対する文化的規範のために、男性の友人がこれらの感情を決して相互作用しないという彼の欲求を表現している。これらのパワフルな感情を歌詞とメロディーで強調することで、クィア・フィルムメーカーは公共の圧力にもかかわらず受け入れを見つけるための苦労を伝えています。
色もクイア映画で感情を伝える上で重要な役割を果たしています。ペドロ・アルモドヴァルの映画『神経衰弱の危機にある女性たち』では、主人公は真っ赤なドレスで表現されています。これは、彼女が今会った男への制御不能な情熱と欲望を象徴していますが、年齢の違いによるものではありません。ピンク、オレンジ、グリーンなどの明るい色を使用して、女性らしさ、官能性、反乱のテーマをさらに強調しています。一方、Gus Van Santの「My Own Private Idaho」では、暗くて荒涼とした環境で多くのシーンが行われ、公共の場所で自分自身を公然と表現することが安全ではないと感じる孤独、孤独、恐怖の感情を呼び起こします。これらの色調の変化は、キャラクター同士の緊張を生み出し、抑圧的な世界に住むLGBTQ+の人々が直面する過酷な現実を浮き彫りにします。
フレーミング技術は、クイア映画の物語における疎外化の経験を伝えるためにも使用することができます。
スイカのシェリルダニエ女性は、彼女のユニークな物理的な属性と個人的な闘争に注意を引くために親密な瞬間に主人公の顔の頻繁なクローズアップを示しています。この技術は、観客と主人公の間の脆弱性と親密さの感覚を作成し、社会的分裂のより良い共感と理解を可能にします。対照的に、ジョン・キャメロン・ミッチェルの「Shortbus」では、多くのシーケンスは、視聴者が表現、感情、相互作用に焦点を当てていることを維持するために、身体から離れることなく性行為や性行為をするキャラクターを示しています。このようにクィアのセクシュアリティを提示することで、ミッチェルはエロティシズムと欲望をどのように扱うかについて伝統的な規範に挑戦し、別の形の喜びの採用を奨励します。
クイアの映画製作者は、音、色、フレームを使用して、映画の物語における疎外化、欲望、および抵抗の経験を伝えます。象徴的なイメージ、シュルレアリスム、非線形のストーリーテリング、叙情的なメロディー、活気に満ちた色彩、独自のフレーミング技法を通して、ジェンダーのアイデンティティ、性的指向、創造的表現による関係性に関する社会規範に挑戦しています。
クィア・フィルムメーカーは、音、色、フレームをどのように使用して、映画の物語における疎外化、欲望、抵抗の経験を伝えていますか？
フリンジのグループは、歴史的に主流の映画から除外されてきましたが、独立した映画の台頭により、これらのコミュニティは、音、色、フレームなどの視覚的なストーリーテリング技術を通じてより多くの表現を見つけました。クィア・フィルムメーカーは、セクシュアリティ、ジェンダー、アイデンティティに関する支配的な物語に挑戦し、伝統的な慣習を打ち破り、個人的、文化的、政治的アイデンティティの複雑な交差点を探求するために、しばしばこれらのツールを使用します。