La production cinématographique queer est une pratique artistique qui a évolué avec les mouvements LGBTQ + pour la justice sociale depuis le début du XXe siècle. Les artistes queer ont utilisé le cinéma pour créer des histoires visuelles uniques sur leurs personnalités et leurs désirs à l'aide de méthodes innovantes telles que l'utilisation d'images symboliques, le surréalisme et la narration non linéaire. Cet essai décrit comment les créateurs de films queer utilisent le son, la couleur et le cadre pour transmettre l'expérience de la marginalisation, du désir et de la résistance dans les récits cinématographiques.
Du point de vue du son, de nombreux films queer utilisent la musique pour souligner les moments de romance, d'attraction et de désir entre les personnages de différents groupes sociaux.
Dans le film « Mildred Pierce » de Todd Haynes, le personnage principal interprète la chanson « We Could Have Been Anything We Wanted To Be » en regardant de près son amant à travers une salle bondée pendant la scène de la fête. Cette chanson est une métaphore de l'impossibilité d'atteindre la vraie liberté et l'égalité dans une société hétéronormative où l'amour et l'attachement sont souvent niés sur la base de l'orientation sexuelle ou de l'identité de genre. De même, dans la chanson « Nowhere » de Gregg Araki, le personnage entre dans un numéro musical intitulé « Suck My Love », qui exprime son désir que son ami masculin ne réponde jamais à ces sentiments en raison des normes culturelles contre l'homosexualité. En distinguant ces émotions puissantes par des paroles et des mélodies, les créateurs de films queer transmettent la lutte pour trouver la reconnaissance malgré la pression publique.
Les couleurs jouent également un rôle important dans la transmission des émotions dans les films queer. Dans le film de Pedro Almodovar, « Les femmes au bord de la crise de nerfs », le personnage principal est représenté par une robe rouge vif qui symbolise sa passion incontrôlée et ses désirs envers l'homme qu'elle vient de rencontrer, mais ne peut pas avoir à cause de la différence d'âge. L'utilisation de couleurs vives comme le rose, l'orange et le vert dans le film souligne en outre les thèmes de la féminité, de la sensualité et de la rébellion. D'un autre côté, dans My Private Idaho de Gus Van Sent, de nombreuses scènes se déroulent dans un environnement sombre et sombre pour susciter un sentiment de solitude, d'isolement et de peur ressenti par des personnes marginalisées qui ne se sentent peut-être pas en sécurité de s'exprimer ouvertement dans les lieux publics. Ces changements de couleur créent des tensions entre les personnages, soulignant la dure réalité à laquelle sont confrontés les personnes LGBTQ + qui vivent dans un monde oppressif.
Les méthodes d'encadrement peuvent également être utilisées pour transmettre l'expérience de la marginalisation dans les récits cinématographiques queers.
Cheryl Danier dans « La Femme Pastèque » montre les plans fréquents et importants du visage du personnage principal pendant les moments intimes pour attirer l'attention sur ses attributs physiques uniques et ses luttes personnelles. Cette technique crée un sentiment de vulnérabilité et d'intimité entre le spectateur et le protagoniste, permettant une meilleure empathie et compréhension des différences sociales. En revanche, dans Shortbus de John Cameron Mitchell, de nombreuses séquences montrent des personnages ayant des relations sexuelles ou ayant des relations sexuelles sans se détacher de leur corps pour garder le spectateur concentré sur leurs expressions, leurs émotions et leurs interactions les uns avec les autres. En présentant la sexualité queer de cette façon, Mitchell remet en question les normes traditionnelles sur la façon dont nous traitons l'érotisme et le désir, et encourage l'adoption de formes alternatives de plaisir.
Les cinéastes queer utilisent le son, la couleur et le cadre pour transmettre l'expérience de la marginalisation, du désir et de la résistance dans les récits cinématographiques.Au moyen d'images symboliques, de surréalisme, de narration non linéaire, de mélodies lyriques, de couleurs vives et de techniques d'encadrement uniques, ces artistes cherchent à défier les normes sociales relatives à l'identité de genre, à l'orientation sexuelle et aux relations par l'expression créative.
Comment les créateurs de films queer utilisent-ils le son, la couleur et le cadrage pour transmettre l'expérience de la marginalisation, du désir et de la résistance dans les récits cinématographiques ?
Les groupes marginaux ont historiquement été exclus du cinéma de base, mais avec la croissance des films indépendants, ces communautés ont trouvé une plus grande visibilité grâce à des méthodes de narration visuelle telles que le son, la couleur et le cadrage. Les créateurs de films queer utilisent souvent ces outils pour défier les récits dominants sur la sexualité, le champ et l'identité, en détruisant les conventions traditionnelles et en explorant les intersections complexes entre les identités personnelles, culturelles et politiques.