Incorporazione dell'arte astratta
L'arte astratta è un movimento d'avanguardia nato all'inizio del XX secolo, caratterizzato dal suo rifiuto delle forme tradizionali e dalla sua tecnica a favore di brani non rappresentativi e aperti. Fu quindi fonte di fascino e dibattito, ispirando innumerevoli dibattiti sul suo valore e significato. Tuttavia, anche se la maggior parte dell'attenzione si è concentrata sulla natura originariamente non oggettiva dei lavori astratti, ci sono anche artisti che hanno inserito elementi provenienti da diversi media per creare opere ibride che sfidano le idee tradizionali di ciò che costituisce «art». Uno di questi esempi è l'inclusione della fotografia erotica nell'arte astratta, mescolando l'espressione artistica concettuale con una rappresentazione sensuale, queste opere creano un dialogo tra la sensualità specifica e i concetti astratti, invitando gli spettatori a parlare con loro a più livelli.
Un artista che ha esplorato l'idea è Robert Mapplethorpe, che mostra spesso figure nude che si occupano di diverse attività sessuali. Mentre il suo lavoro è stato criticato per essere sfruttatore e scioccante, essi sfidano anche le norme sociali sulla sessualità e l'identità di genere. Nella sua serie «Autoritratti», Magplethorpe si ritrae come un oggetto feticciato, vestito con abiti ben pensati e in posa con diversi oggetti. Queste immagini suscitano un senso di astinenza, che è accentuato dal loro posizionamento accanto a opere astratte come S&M (1986) di Jean-Michel Basquius. La mappatura di questi due stili crea una tensione tra fisico e spirituale, facendo riflettere gli spettatori sulla propria percezione della bellezza e del desiderio.
Analogamente, nei quadri di Andy Warhol Pop Art sono spesso presenti icone del consumismo e della cultura delle celebrità, tra cui Marilyn Monroe e Elvis Presley. Ma ha anche creato una serie di opere astratte che studiano le idee sulla produzione di massa e la cultura di massa, tra cui «Il dipinto di Marilyn» (1962). Questo pezzo è composto da cinquanta sellografie del volto di Monroe, ognuna delle quali ripete la stessa immagine, ma è leggermente fuori. Frammentando la sua immagine, Warhol prevede la disumanizzazione dei media, innescando allo stesso tempo il suo status di culto. In combinazione con una fotografia erotica comè A letto "(1975) di Nan Goldin, queste opere creano un umore inquietante che pone al pubblico domande complesse sul campo, il potere e la rappresentazione.
Un'altra artista che ha sperimentato questo approccio è Tracy Emin, il cui lavoro spesso unisce il testo a immagini visive per creare narrazioni complesse. Nella sua serie «The Last Great Adventure is You», usa un testo scritto a mano per descrivere le relazioni rovinate stabilite sullo sfondo di forme astratte. Il risultato è un commento potente sulle relazioni, l'intimità e il ruolo del linguaggio nella formazione della nostra esperienza nel mondo. In combinazione con immagini più apertamente sessuali come «Senza titolo» (1993) di Jenny Saville, queste opere diventano ancora più forti, esplorando l'intersezione tra identità, desiderio e espressione.
Infine, ci sono artisti come Cindy Sherman, le cui foto di solito la ritraggono in vari ruoli e costumi, tra cui la cultura di massa e la mitologia. La sua serie «Favole» (1985) presenta paesaggi surreali pieni di strane creature e oggetti che suggeriscono al pubblico di considerare la natura della realtà e delle fantasie. Combinando questi lavori con gli astratti di altri artisti come "L'etoile per l'autoritratto" (1962) di Francis Bacon o'Il quadro 47 "(1950) di Jackson Pollock, crea un'atmosfera simile ai sogni che ci suggerisce di mettere in discussione la nostra percezione e le nostre convinzioni.
Per concludere, l'inclusione della fotografia erotica nell'arte astratta può essere tanto provocatoria quanto illuminante, facendo riflettere gli spettatori sulle proprie ipotesi e pregiudizi intorno alla sessualità e al sesso. Mescolando la sensualità concreta con l'espressione concettuale, queste opere creano dialoghi che vanno oltre i confini normali, incoraggiandoci a interagire con loro a più livelli. In questo modo continuano ad ispirare nuove conversazioni sulla natura dell'arte e le sue potenzialità per trasformare la nostra comprensione di noi stessi e del mondo circostante.