La mode est l'un des moyens les plus puissants de s'exprimer et a été utilisé tout au long de l'histoire pour transmettre des messages sur l'identité, la politique, la culture et la société.
Cependant, comme les économies capitalistes sont devenues plus répandues, la commercialisation a pris le dessus et a transformé la façon dont la mode est perçue et consommée. Au cours des dernières années, la visibilité de l'expression visuelle étrange dans la mode, l'art et les médias a augmenté, qui cherche à défier ces normes commercialisées et à explorer de nouvelles façons de représenter le sexe, la sexualité et le désir. Cet article examinera comment une expression visuelle étrange se déplace entre l'authenticité et la marchandise, et quelle nouvelle esthétique peut se produire lorsque la pression commerciale affaiblit leur soutien.
L'expression visuelle étrange peut prendre différentes formes, de la haute couture aux vêtements de rue, de l'art de la performance à la photographie, des vidéos musicales aux messages sur les réseaux sociaux. Il s'agit souvent de démêler les rôles traditionnels du genre, de jouer avec la virilité et la féminité et d'explorer les identités non binaires.
Par exemple, les podiums du designer Alessandro Michele pour Gucci sont connus pour leurs dessins sexistes et leurs images provocatrices qui défient les idées traditionnelles de beauté et de sexualité. De même, des photographes comme Ryan McGinley et Wolfgang Tillmans ont créé des images étonnantes qui repoussent les frontières autour de la représentation du genre et de la sexualité. Les plateformes de médias sociaux telles que Instagram ont également donné aux gens plus de possibilités de créer et de partager leur propre contenu visuellement expressif, défiant les notions traditionnelles d'étrangeté et créant de nouveaux espaces d'expression.
Cependant, cette visibilité a un coût: pression pour se conformer aux normes commerciales et s'adresser à un public de masse. De nombreux designers et artistes queer doivent équilibrer l'authenticité et le marché en choisissant entre rester fidèles à eux-mêmes ou faire appel à un public plus large.
Par exemple, les marques peuvent leur demander de diluer leur travail ou de le rendre plus acceptable pour une base de consommateurs plus large, ce qui entraînera une perte d'originalité et de créativité. Cela dit, il y a un risque d'être trop avant-gardiste et de repousser les clients potentiels qui pourraient ne pas être prêts à ces expressions radicales. Cette contradiction entre authenticité et marchandise a conduit certains designers et artistes à explorer une esthétique alternative qui efface les frontières entre la mode commercialisée et l'expression expérimentale.
L'un de ces esthétiques est le maximalisme, qui met l'accent sur la couleur, la texture et le courage sur le minimalisme et la retenue. La mode maximaliste comprend souvent des éléments de différentes cultures, sous-cultures et périodes, mélangeant la culture haute et basse d'une manière inattendue. Des designers comme Rick Owens et Gareth Pew ont adopté ce style, créant des podiums et des collections à la fois audacieuses et réfléchissantes. Une autre esthétique est le bricolage (Do It Yourself), qui implique la fabrication de vêtements et d'accessoires à la main ou la personnalisation d'objets existants selon des styles et des identités individuels. Cette approche permet aux gens de créer des images personnalisées qui ne se prêtent pas à la normalisation et défient les normes de base.
Comme la pression commerciale atténue leur influence sur une étrange expression visuelle, de nouveaux aspects esthétiques sont susceptibles d'apparaître, qui repoussent encore plus les limites.
Par exemple, certains designers peuvent expérimenter des technologies portables en utilisant des capteurs et de l'électronique pour créer des vêtements interactifs qui répondent aux mouvements ou aux émotions du propriétaire. D'autres peuvent adopter des méthodes durables en explorant l'apsikling et la refonte des matériaux pour créer des dessins écologiques.Ces approches innovantes peuvent potentiellement ouvrir de nouvelles possibilités d'expression et de changement social, défiant les idées traditionnelles sur ce que signifie être bizarre et comment nous nous exprimons par la mode, l'art et les médias.
Comment l'expression visuelle étrange dans la mode, l'art et les médias se déplace-t-elle entre l'authenticité et la marchandise, et quelle nouvelle esthétique peut-elle avoir lorsque la pression commerciale atténue leur influence ?
Ces dernières années, il y a eu une augmentation de la représentation de la culture queer dans les différentes formes d'expression visuelle telles que la mode, l'art et les médias. Cette perception a entraîné un changement dans la façon dont les gens perçoivent l'identité de genre et l'orientation sexuelle. La croissance des plateformes de médias sociaux a également contribué de manière significative à ce changement en offrant aux créateurs une plate-forme pour démontrer leur travail et communiquer avec des personnes aux vues similaires.