La caratteristica chiave dell'arte queer è l'esplorazione di identità, emozioni e desideri che vanno oltre il quadro linguistico e le norme culturali. Nel corso della storia, gli artisti hanno usato un linguaggio visivo e performativo per esprimersi in modi che vanno oltre le forme tradizionali di comunicazione. Uno di questi strumenti è la metafora corporea, che include l'uso del corpo come mezzo per trasmettere il significato e l'esperienza di trauma, desiderio e identità. In questo saggio sto esplorando come le metafore corporee possono essere utilizzate per trasferire l'esperienza del trauma, il desiderio e l'identità oltre il quadro linguistico.
Metafore corporee sono metafore che includono azioni fisiche, gesti o movimenti che simboleggiano concetti o idee astratte. Queste metafore possono assumere forme diverse, dalla danza alla scultura alla performance. Usando i propri corpi come strumenti di espressione, gli artisti queer creano nuovi modi di comunicare e sfidano i sistemi stabiliti di potere e oppressione.
Il film di Fiona Tang «100 anni di cinema cinese» utilizza metafore corporee per esplorare i temi della memoria, della perdita e dello spostamento. Nel film c'è un gruppo di attori che ricreano scene di classici film cinesi indossando maschere in pelle umana, creando esperienze visive viscerali viscerali. Questo uso del corpo per trasmettere complessi stati emotivi dimostra come le metafore corporee possono essere utilizzate per trasmettere esperienze che non possono essere espresse solo con parole.
Un altro artista che utilizza una metafora corporea nei suoi lavori è Paul Pfeiffer. La sua serie «Trasformazione» rappresenta immagini di uomini che si comportano sessualmente l'uno con l'altro.
Invece di mostrare l'atto reale, Pfeiffer si concentra sulla mimetica e sui movimenti degli uomini, creando una tensione tra ciò che si vede e ciò che si nasconde. Attraverso questo approccio, esplora l'idea dell'intimità e del desiderio come qualcosa che esiste al di là delle norme linguistiche e culturali. Allo spettatore rimane da interpretare il significato di queste immagini, creando una sensazione di ambiguità e mistero.
Il lavoro di Bruce Nauman utilizza anche una metafora corporea per esplorare traumi e identità. Nella sua parte, Clown Torture, Nauman rappresenta un paio di pagliacci che combattono l'uno contro l'altro, che rappresentano un conflitto tra due forze opposte al proprio interno. L'uso del corpo in questa parte mette in risalto il trauma corporeo e il modo in cui si manifesta nella nostra vita quotidiana. I clown sono una lotta tra mente consapevole e inconsapevole, creando un'immagine potente ed emotiva che suggerisce la complessità dell'esperienza umana.
Le metafore aziendali sono uno strumento importante per gli artisti queer per esprimere se stessi e la propria esperienza al di fuori del quadro linguistico. Usando i loro corpi come strumenti di espressione, creano nuovi modi di comunicare e sfidano sistemi di potere e oppressione stabiliti. Mentre continuiamo a vedere più opere di artisti queer, vedremo sicuramente come la metafora corporea possa essere usata per espandere la nostra comprensione di noi stessi e del mondo circostante.
In che modo la metafora corporea nell'arte queer può trasferire l'esperienza del trauma, del desiderio e dell'identità oltre il quadro linguistico?
Gli artisti di Kwir usano spesso metafore corporee come modo per trasmettere la loro esperienza personale di trauma, desiderio e identità che non possono essere completamente espressi solo attraverso il linguaggio. Metafore corporali si riferiscono all'uso di gesti, movimenti e azioni artistiche per creare senso e comunicazione. Questo tipo di espressione permette di ottenere un'esperienza incarnata e sensuale che può essere più efficace delle tradizionali descrizioni verbali di questi temi complessi.