El artículo discute cómo los artistas queer han utilizado su cuerpo como símbolo tanto de opresión como de liberación en diversas formas de expresión creativa a lo largo de la historia. Desde la mitología antigua hasta el arte de performance contemporáneo, estos artistas desafiaron las normas tradicionales y extendieron las fronteras a través de su encarnación física de una identidad inconsistente. Al explorar las formas en que la sociedad ha tratado de controlar y limitar su cuerpo, también han creado nuevas oportunidades para expresarse y empoderarse.
A lo largo de la historia, cuerpos extraños han sido marginados sistémicamente y discriminados debido a las expectativas de la sociedad sobre los roles de género y la orientación sexual. Para muchos artistas, esta experiencia se refleja en su trabajo, a menudo adquiriendo un tono profundamente personal y emocional. En algunos casos, los artistas pueden usar sus propios cuerpos como lienzo para explorar y experimentar, mientras que en otros pueden representar imágenes alternativas del cuerpo a través de la escultura o la pintura. El uso de la desnudez, la fluidez de género y el juego sexual son temas comunes en la expresión artística queer.
Un ejemplo de esto es la obra del artista queer Félix González-Torres. Su instalación «Sin título» (Retrato de Ross en Los Ángeles) presenta dos pilas idénticas de caramelos envueltas en papel plateado, una puesta encima de la otra. A medida que los espectadores se acercan a la obra, se convierten en parte de ella, eligiendo la pieza de la pila inferior y dejando un lugar vacío detrás. Este simple acto de cercanía e intercambio se hace eco de la relación entre él y su compañero Ross, fallecido de sida en 1989. La obra de González-Torres desafía nuestras ideas sobre lo que representa el retrato y cómo nos relacionamos con la forma humana a través de su ausencia.
Otro ejemplo es la actuación de Marina Abramovich, conocida por sus trabajos provocativos y de confrontación que sacuden los límites de la resistencia física y la resiliencia mental. En su icónica pieza «Rhythm 0», invitó al público a hacer lo que quieran con su cuerpo durante una actuación de seis horas. Le cortaron la ropa, le apretaron el pecho e incluso le clavaron agujas. Su voluntad de ser vulnerable y abrirse a los abusos habla de la dinámica del poder en la sociedad y de cómo controlamos los cuerpos de cada uno.
En el mundo de la literatura, los escritores queer también han utilizado sus cuerpos como símbolos tanto de opresión como de liberación. En la novela «Las naranjas no son la única fruta» de Jeanette Winterson, escribe sobre el crecimiento gay en una familia cristiana pentecostal y explora temas de identidad, deseo y espiritualidad. A través del camino de auto-reconocimiento de su heroína, Winterson nos muestra cómo nuestros cuerpos pueden ser lugares de conflicto y resistencia.
En general, los artistas queer han utilizado sus cuerpos para desafiar las normas sociales y crear nuevas formas de expresión que glorifican identidades no conformes. Su trabajo sirve como recordatorio de que los cuerpos no son sólo objetos de belleza o satisfacción sexual, sino poderosas herramientas para el cambio político. Al explorar las formas en que nuestros cuerpos son controlados y limitados, estos artistas ofrecen visiones alternativas de lo que significa vivir libre y confiablemente.
¿Cómo funciona el cuerpo como símbolo tanto de opresión como de liberación en la expresión queer-artística?
El cuerpo ha sido utilizado durante mucho tiempo por comunidades marginales, incluida la comunidad LGBTQ +, como medio de resistencia a las normas culturales dominantes. En la expresión queer-artística, el cuerpo funciona como símbolo de opresión y liberación. Por un lado, puede ser visto como un lugar de control y restricción donde los cuerpos extraños a menudo son objetivados, sexualizados y considerados inaceptables.